GRAVE DANCE COMPANY - RUINS (2026)

 

GRAVE DANCE COMPANY
RUINS
Shinigami Records/Reaper Entertainment - Nacional

Uma das melhores situações quando de um lançamento de banda ou trabalho novo, é quando a expectativa é amplamente correspondida pelo resultado final. Explico: o Grave Dance Company é uma banda formada das cinzas da banda austríaca Jack Frost, que fez seus últimos shows em 2023. A sonoridade aqui reproduzida é a mesma que o Jack Frost desempenhava, o Gothic Rock sombrio, que agradará em cheio fãs de Type O Negative, Moonspell e The 69 Eyes.

Uma das características mais marcantes em “Ruins” é a trinca de guitarristas, que criam nuances e uma parede sonora densa, lúgubre e extremamente melancólica. O vocalista Michelle Darkness (sobrenome vindo a calhar, não?) lembra um bocado o saudoso Peter Steele (Type O' Negative) e não existem novidades nas suas letras: perda, solidão, términos de relacionamentos.

“Wild Ones” é a paulada inicial e um ótimo cartão de visitas para o que vem a seguir. Como apreciador de filmes de terror de todas as épocas, não posso deixar de citar que a faixa “Lon Chaney” é a minha preferida logo após ouvi-la. Num clima totalmente gótico, a faixa é uma homenagem ao ator Lon CHhney Jr, um astro do cinema de horror dos anos 1940/50, que filmou muitos clássicos, entre eles “Lobisomem” (1941).

“The Devil´s Hour” é pesadíssima, flertando com o Metal quase que descaradamente, uma faixa fortíssima, que contrasta bruscamente a melancólica “Where Are You Now?”. O álbum fecha com um cover do Joy Division, “New Dawn Fades”. Quando ouvi falar do lançamento de “Ruins” esperava que viria coisa boa, mas mesmo assim, me surpreendi positivamente com o álbum de estréia do Grave Dance Company. 

Se você aprecia, assim como eu, bandas como Moonspell, The 69 Eyes, Paradise Lost e Type O' Negative, este álbum é para você. Para finalizar, quero deixar aqui uma  frase que está no release da banda e descreve a sonoridade e atitude do grupo: “Grave Dance Company  é para aqueles que sabem que , às vezes a música é o último lugar que resta onde se pode ficar”. Pesado, mas real. Lançamento nacional Shinigami Records.

José Henrique Godoy

SHA-BOOM - ANOTHER NAIL IN THE COFFIN (2026)

 

SHA-BOOM
ANOTHER NAIL IN THE COFFIN
Sinigami Records/Silver Lining Music - Nacional

Quem assistiu ao já clássico filme do Mötley Crüe, “The Dirt”, deve se lembrar da passagem em que Mick Mars solta a frase “Nome de merda, banda merda”. Ao ver o nome desta já veterana banda sueca, fica quase impossível não recordar desta “célebre afirmação” do Sr. Mars. Mas calma, apesar de pitoresca, esta sentença não é uma regra, muito antes pelo contrário.

O Sha-Boom é mais uma banda de Hard/Melodic Rock da Suécia, mais precisamente da capital Estocolmo, formada em 1987, e já no ano de 1988 abriam os shows dos gigantes Europe e Treat. Após esse início meteórico, a banda começou a perder força no cenário escandinavo, e desaparecendo, a não ser pelo lançamento de um "best of" em 2005. Duas décadas após o início do hiato, o vocalista Dag Finn traz o Sha-Boom de volta aos holofotes.

“Another Nail In The Coffin” é um convite a diversão e a um retorno aos grandes dias do Hard Rock festeiro. Produzido por Erik Martensson, do Eclipse, o recado que o Sha-Boom quer passar é que nada mais importa além da diversão e alegria. Sem pretensão nenhuma de ser uma grande obra, o trabalho apesar de não ser tão empolgante quanto promete, entrega resultado satisfatório aos fãs do estilo.

“Never Stop” é uma grande faixa cheia de melodia, um ótimo exemplo de como um AOR deve ser composto, minha faixa preferida do álbum. “Walk (Far Away) é puro Rock n Roll, com uma pegada que traz a memória o Glam Rock dos anos 1970. Se pensaram em The Sweet, esta é a referência aqui. “One More Drink For The Road” é outro rockaço, com participação de Linnéa Vikstrom, vocalista da banda Thundermother. “Million Miles Away, é uma faixa onde a parte mais emocional vem à tona, porém sem ser açucarada demais.

“Another Nail In The Coffin” é um álbum honesto e agradável de se escutar, não será lembrado como um grande clássico, mas com certeza é um trabalho ótimo para amantes do estilo. Lançamento nacional Shinigami Records. 

José Henrique Godoy

SHAKRA - JUST LIVE LOUD (2026)

 

SHAKRA 
JUST LIVE LOUD
Shinigami Records/Frontiers Music srl. - Nacional

Quando se trata de lançar álbuns de rock melódico de peso, você sempre pode contar com a banda suíça Shakra. “Just Live Loud!” o novo álbum, é mais uma amostra da qualidade da banda originária da cidade de Truo. Com o sucessor de seu álbum de 2023, “Invincible”, a banda entregou, mais uma vez, um trabalho sólido. Este novo capítulo em uma trajetória que já ultrapassa trinta anos é, sem dúvida, mais um acerto em cheio.

Todos os ingredientes que tornaram a banda popular ao longo dos anos estão presentes: músicas impactantes, refrãos contagiantes, riffs de guitarra matadores, uma base de baixo e bateria pulsante, e os vocais roucos do cantor Mark Fox.

Além disso, a produção deste álbum está, mais uma vez, impecável. O guitarrista Thom Blunier tem moldado a sonoridade da banda em seu próprio estúdio há décadas. As faixas de abertura “Let The Show Begin” e “Wasteland Warriors” provam que a banda certamente não perdeu a mão e mantém o ímpeto necessário para compor músicas energicas. A banda demonstra um entrosamento sólido há muito tempo.

“Just Live Loud!” certamente não traz nenhuma novidade na sonoridade do Shakra, e na realidade os fãs agradecem, pois não há necessidade de alterações na fórmula vencedora do Shakra. Basta continuarem fazendo aquilo que executam com categoria. O único ponto mais baixo em “Just Live Loud” é “Left Outside Alone” um cover gravado originalmente pela cantora americana Anastacia e que também é o primeiro dueto registrado pelo grupo. A música aparece no álbum em nada menos que duas versões (uma em dueto com Seraina Telli e outra na qual Mark assume todos os vocais). Não que seja uma faixa fraca, mas é dispensável.

“Just Live Loud” é um álbum altamente recomendado, e um dos melhores do estilo no ano, para fãs de Hard/Melodic Rock e peça indispensável para os fãs da banda. Lançamento nacional Shinigami Records.

José Henrique Godoy

WIZARDS - GLORIOUS (2026)

 

WIZARDS
GLORIOUS
Metal Relics - Nacional

Se o retorno do WIZARDS à ativa com o álbum "Seven", lançado em 2022 foi uma espécie de recomeço, GLORIOUS, que saiu agora em outubro de 2026 é a volta à sonoridade mis clássica da banda, qual seja, o power metal melódico intenso, pesado e verdadeiro. Sim, ainda que o antecessor tenha sido um bom trabalho, aqui o Wizards mostrou que das bandas atuais do estilo, ela se mantém fiel e apresenta uma qualidade acima da média, com um álbum muito superior ao que alguns "medalhões" do estilo vem fazendo. Longe de tretas, reuniões caça-níqueis ou algo do gênero, a banda investiu na música, razão maior da existência de qualquer grupo e acertou em cheio: um trabalho que lembra em muitos momentos um dos maiores discos do estilo já lançados no metal nacional, o excelente "The Kingdom", de 2001, lançado por eles próprios.

Mantendo a formação do trabalho anterior e estabilizada com Christian Passos (vocal), Leo Mancini (guitarra), Mendel Waisberg (baixo), Charles Dalla (teclados) e Gabriel Triani (bateria), o grupo contou com a produção, mixagem e masterização de Tito Falaschi, que também gravou algumas guitarras e teclados no álbum. A bonita capa foi concebida e idealizada por Sammy Coral enquanto o belo trabalho gráfico ficou por conta de Alcides Burn. Dessa vez, as composições em sua maioria ficaram sob a responsabilidade de Christian, enquanto Charles ficou com apenas uma (a saber, "Grand and Bold"), e talvez por isso, a sonoridade tenha maior proximidade com o clássico de 2001. Composições fortes, com guitarras intensas e aquela linha power metal melódica que consagrou o grupo no início dos anos 2000. 

"Magic Moment" abre o álbum de forma consistente, e digo aqui sem nenhum medo: se ela estivesse em "The Kingdom", abrilhantaria ainda mais o trabalho. Mas por sorte, a faixa surge em 2026, o que reforça que o Wizards é e sempre foi uma das maiores do estilo, não só por aqui, mas mundialmente. Linhas melódicas sem abdicar do peso, vocais muito bem encaixados, backing vocals propositalmente alinhados à estrutura e uma base baixo/bateria coesa, transformam a faixa em uma das melhores já compostas pelo grupo. Só que na sequência, "Lady Wonder" vem para mostrar que o peso do metal também aflora na linha de composição, pois a faixa possui uma cadência e riffs que se encaixam mais no lado metal do grupo. O metal melódico retorno com "Midnight Dreamers", outro ótimo momento. Uma característica do trabalho é que todas as faixas ficam dentro dos três minutos, o que comprova que não é necessário fritar, quebrar, encher as composições com viradas e solos intermináveis pra mostrar classe. Um ótimo refrão deixa tudo ainda melhor. "Beggin' Eyes" é uma balada linda, com ótima performance de Christian, que não precisa exagerar em agudos pra mostrar sua técnica e talento. E assim, a música de verdade agradece. E tome mais metal melódico puro e natural em "The Rising King", outra faixa que poderia estar em "The Kingdom". A capacidade do grupo em criar ótimas composições dentro do estilo é algo a ser estudado!

Um teclado um tanto quanto melancólico introduz a pesada "Solitude Walker", que traz consigo alguns toques mais modernos (mas sem exageros), invocando a versatilidade dos músicos. Já "Grand and Bold", composta por Charles Dalla, é outra pérola melódica, com excelentes linhas de teclado e ótima base criada por Mendel (único remanescente da formação original ao lado de Christian) e Gabriel, que formam uma cozinha que além de técnica, senta a mão sem pena dos instrumentos. "Answer Your Call" é mais cadenciada, mas possui linhas vocais bem melódicas, com os backing vocals novamente colocados de forma correta na composição. "Riser Man" mantém a pegada power/melódica e antecede o final que vem com "RF", uma bonita peça ao teclado, que fecha o álbum de forma suave e tranquila.

Sem se importar com o que o mercado impõe, o WIZARDS decidiu mostrar ao mundo que o metal melódico, power metal, heavy metal... chame como quiser, continua vivo (e muito) em 2026. Se, como eu escrevi lá em cima, os medalhões do estilo não conseguem sair da bolha do passado, a banda consegue revisita-lo sem se prender ao próprio. Composições carregadas de feeling, capacidade técnica altíssima, mas acima de tudo, uma qualidade musical muito, mas muito acima da média, fazem de GLORIOUS um dos melhores álbuns deste ano. Ah... e passou da hora da banda ser chamada para os grandes festivais, hein???

Sergiomar Menezes

BENEDICITION - RAVAGE OF EMPIRES LATIN TOUR 2026 - 04/11/2026 - ESPAÇO MARIN - PORTO ALEGRE/RS

BENEDICITION - RAVAGE OF EMPIRES LATIN TOUR 2026
Banda convidada: DISTRAUGHT
04/11/2026
ESPAÇO MARIN
PORTO ALEGRE/RS
Produção: Caveira Velha/Xaninho Discos/Nevoeiro Produções

Texto e fotos: José Henrique Godoy

As noites de quarta-feira são tradicionalmente conhecidas como a noite do futebol na TV. Mas por sorte existe o Metal, no caso desta quarta, o Old School True Death Metal do Benediction, que se apresentou no Espaço Marin, e me fez “perder” mais um fiasco do meu Grêmio diante do Flamengo. Os veteranos britânicos se apresentaram pela primeira vez na capital gaúcha, e contaram com o lendário Kam Lee (Massacre), que veio substituir o vocalista Dave Ingram, que por motivos de saúde não pode fazer parte da atual turnê.

A abertura da noite ficou por conta da máquina de destruição conhecida como Distraught. Às 20h30 a clássica banda gaúcha subiu ao palco e despejou seu Thrash Metal altamente técnico para um público não muito numeroso, porém entusiasmado. Capitaneada pelo vocalista André Meyer, a Dstraught fez uma excelente apresentação, com destaques para as faixas “Extermination of Mother Earth” e “Truth Denied”, ambas do mais recente trabalho, o EP “Involution”, lançado em 2025, e também a clássica “The Human Negligence is Repugnant”, que fechou o ótimo set de quarenta e cinco minutos.

Por volta das 21h30, o Benediction entra no palco do Espaço Marin, para lecionar uma verdadeira aula de brutalidade metálica. Contando com os membros fundadores, os guitarristas Peter Rew e Darren Brookes, o baixista George Chick e o baterista Giovanni Durst, e o já citado Kam Lee, o Benediction demonstrou desde o primeiro segundo no palco, porque é uma das bandas mais emblemáticas e históricas do Death Metal Mundial. Kam Lee parece ter sempre feito parte da bana, pois estava muito a vontade no palco, sendo nos momentos de pura violência sonora, ou quando brincava quando os presentes gritavam “Benedito”, em alusão ao nome da banda. Lee respondia: “Meu português é muito bom, entendo o que vocês estão dizendo”.

“Engines Of War” (do magnifico e mais recente trabalho “Ravage Of Empires”) deu inicio ao massacre sonoro, seguidas por ”Unfold Mortality”, “The Croocked Man” e “A Carrion Harvest”. Então Kam Lee nos convidou a retornarmos a 1989, para ouvirmos “Artefacted Irreligious” e “Subconcious Terror”, uma sequência mais que clássica. As rodas se formaram na pista e não cessaram até o final do show. Kam Lee cita que ele nunca tinha vindo para o Brasil e agradeceu ao Benediction por ter lhe dado a oportunidade de conhecer nosso país.

“Dread Of The Night”, “Grotesque” e “Psychosister” seguem estremecendo as estruturas do Espaço Marin. O baterista Giovanni Durst é um monstro, e destrói seja nos andamentos mais cadenciados, ou seja na hora da pura sarrafeira. O guitarrista Darren era puro sorrisos, embalado por uma meia dúzia de latinhas de Heineken, não deixava de transparecer a felicidade de estar no palco, desenvolvendo o Death Metal Old School como se tivesse começado ontem. Vamos lembrar que a banda está prestes a completar quarenta anos. Um dos momentos mais icônicos da noite, foi quando os guitarristas iniciaram o riff inicial de “Biohazard”, clássico supremo do Massacre, banda original de Kam Lee. Ouvir esta música com o vocal original, entrelaçado com a brutalidade histórica do Benediction foi mais que um ponto alto, foi testemunhar um momento único, a união de lendas do “Metal da Morte”.

Kam Lee passa o microfone para Darren que agradece aos presentes e ao próprio Kam Lee, dizendo que só por causa de Lee, o Benediction conseguiu seguir a turnê. O final do show foi com “Crawling Over Corpses” e a faixa título do clássico álbum de 1995 “Dreams You Dread”, com as rodas se tornando ainda mais infernais. Que noite perfeita, protagonizadas por duas bandas clássicas, cada uma no seu estilo. O Benediction justifica a sua história e sua origem, lá no final dos anos oitenta, vindos da mesma cidade do Black Sabbath, Judas Priest e Napalm Death. Realmente a água desta cidade deve ser "benta". Que o Benediction não se arrependa e que volte mais vezes para Porto Alegre. Agradecemos a Nevoeiro Produções pelo credenciamento e ao staff gentil do Espaço Marin.

EUROPE - COME THIS MADNESS (2026)

 

EUROPE
COME THIS MADNESS
Shinigami Records/Silver Lining Music - Nacional

O Europe é um raro caso de banda que tem duas vidas distintas na carreira e em ambas seguiu com sucesso e qualidade. A primeira abrange os anos de maior sucesso comercial, durante os anos 1980, com lançamentos álbuns mais que clássicos do Hard Rock, como “Final Countdown” (1986) e “Out Of This World” (1988). 

Após um hiato de doze anos, a banda retornou em 2004, com o ótimo “Start From The Dark” e a partir daí, deu sequência ininterrupta na carreira, agora focado num Hard Rock mais maduro e pesado, se aproximando e flertando bastante com o Classic Rock. O último lançamento do Europe havia sido “Walk Of The World”, no já longínquo 2017, mas agora, nove anos depois, a espera por novas músicas terminou, com o lançamento de “Come This Madness”.

"Come This Madness" é um acréscimo sólido ao catálogo do Europe. A banda mantém suas características marcantes intactas, ao mesmo tempo em que continua a fazer sua sonoridade evoluir. O álbum representa mais um capítulo interessante na longa trajetória dos suecos, equilibrando melodias cativantes com peso e intensidade suficientes para evitar que o resultado se torne previsível. Há referências claras às sonoridades das décadas de 1970 e início da de 1980, mas, nesse processo, o Europe jamais perde sua própria identidade.

Os riffs e solos de John Norum seguem um dos maiores destaques. Norum é um guitar hero de mão cheia, e demonstra isso em todas as faixas. Os teclados de Mic Micheli estão mais proeminentes, mais a frente inclusive com mais destaque, inclusive nos momentos de solos. Joey Tempest é irretocável, sua voz inconfundível e cheia de interpretação e emoção está muito em forma. A dupla formada pelo baixista John Léven e o baterista Ian Haugland mantém todo o groove e peso nas composições.

“One On One” é a abertura perfeita para esta audição, cheia de groove. “Come This Madness", a faixa título com um excelente riff de guitarra e com refrão marcante. “This Time Of Year” é a bela balada do álbum. É mais uma prova de que o Europe consegue criar densidade emocional sem precisar elevar o volume ao máximo.

Em “In a Different World”, a banda conecta, mais uma vez, suas letras à realidade que nos cerca, encontrando um equilíbrio sólido entre melodia e atmosfera. Já “Scandinavian Eyes” segue um caminho diferente. Sua abertura cinematográfica introduz uma canção profundamente enraizada na sonoridade dos anos 1970. O Deep Purple e a era clássica do hard rock servem, claramente, como referência, mas o Europe imprime personalidade suficiente ao arranjo para que a faixa se encaixe perfeitamente neste álbum. O resultado é uma composição de hard rock densa e atmosférica, que traz essa aura retrô para o presente sem soar como uma aula de história.

“Takin’ It Back” é uma daquelas faixas que agradam logo na primeira audição, mas que não deixam uma impressão tão marcante quanto outras presentes no disco. “The Angels Must Have Flown” entrega aqui o Deep Purple como principal influência, um Hard Rock com toda aquela pompa setentista. “The Devil's Back” é a mais pesada do álbum, “Nothing Can Follow This” traz mais um momento grandioso, com ares de hino. A  faixa encerra o álbum com o tipo de segurança melódica que se tornou uma das marcas registradas do Europe.

Com o lançamento de “Come This Madness”, o Europe acrescenta mais uma peça a sua bela discografia, e a espera valeu muito a pena. Que não levem mais nove anos para o próximo lançamento. Lançado no mercado nacional pela Shinigami Records.

José Henrique Godoy

GRUESOME LATIN AMERICAN TOUR 2026 - 17/10/26 - BURNING HOUSE - SÃO PAULO/SP

 

GRUESOME LATIN AMERICAN TOUR 2026

Abertura: 
TRACHOMA
CHAOSLACE

17/10/26

BURNING HOUSE

SÃO PAULO/SP

Produção: Caveira Velha/Xaninho Discos

Assessoria: Tedesco Mídia

Texto e fotos: Mauro Antunes

A cidade de São Paulo tem recebido shows de bandas extremas a rodo, e um dos grandes nomes da mais nova leva do Death Metal internacional não poderia deixar de chegar ao Brasil, o Gruesome.

O show agendado para a casa Burning House localizada na Zona Oeste da cidade tinha tudo para ser incrível. Mesmo com outro show de outra grande banda marcada no mesmo dia, horário e até a mesma região da cidade, mostra que a cena aqui, é forte demais!

Chegamos a casa às 18:30hs e o Trachoma entrou no palco. Com pouco menos de 30 minutos de duração, o show que ainda contou com um pequeno público foi um bom aquecer de motores. O som sujo (no bom sentido!), turbinado com vários efeitos e blast beats, foi facilmente digerido por quem estava lá e algo que me chamou atenção foi a duração das músicas, com um setlist bem longo. Fiquei curioso para ouvi-los, já que não os conhecia e certamente, o farei em breve.

Um breve intervalo quando pontualmente as 19:20hs, iniciou o show do Chaoslace. Essa sim, uma pancadaria de responsa, brutalidade e adrenalina a mil por hora. A banda executou algumas músicas bem sinistras como “Manifesto Against the Pedophile Lords”, com a delicadeza típica dos guerreiros nórdicos (confira o vídeo abaixo). Uma cacetada atrás da outra, em 30 minutos de show. Valeu cada segundo, foi um grande show!

A espera para o show principal foi muito longa, quase uma hora, e isso foi desnecessário. Mas assim que Matt Harvey (vocal e guitarra), Daniel Gonzalez (guitarra), Robin Mazen (baixo) e Gus Rios (bateria) soltaram os primeiros barulhos em seus instrumentos, isso ficou pra trás, e obviamente, todos entraram no clima. Incrível como o público melhorou durante esse intervalo.

Destaques para petardos como “Trapped in Hell”, “A Darkened Window”, “Dimensions of Horror”, “Savage Land” e “Gruesome”. A banda ainda deixou na plateia aquele gostinho de “quero mais” ao tocar apenas a parte inicial de “Troops of Doom”, hino supremo do Sepultura. O encerramento com o mega clássico “Black Magic”, do Slayer, foi a cereja no bolo de um show que, creio eu, não poderia ser melhor, apesar da curta duração de apenas uma hora.

Antes das 22hs, já estávamos a caminho de casa, e ainda deu tempo de tomar uma cerveja com uns amigos que encontrei no local, transformando o rolê em algo mais divertido. Ótimo show, ótimo entretenimento, valeu muito a pena. Não seria nada mal, se eles retornassem ao Brasil no Bangers Open Air, por exemplo.

Agradecemos as produtoras Caveira Velha e Xaninho Discos, bem como à Tedesco Mídia pelo credenciamento e respeito ao trabalho do Rebel Rock.

REBEL ROCK ENTREVISTA - EPITAPH

 

REBEL ROCK ENTREVISTA - EPITAPH

Formada em Porto Alegre (RS) no ano 2000, a EPITAPH é uma das bandas mais consistentes da cena brasileira de heavy metal tradicional. Com mais de duas décadas de estrada, o grupo acumula mais de 150 apresentações nos estados do Rio Grande do Sul e Santa Catarina, consolidando sua identidade através de uma sonoridade que combina o peso clássico do metal com elementos modernos, resultando em um estilo próprio e marcante. Formada por Joe F. Louder (vocal), Marlon Steindorff (guitarra), André Carvalho "Canhoto" (guitarra), Fábio Figueiredo (baixo) e César Five (bateria), a banda lançou agora em 2026 seu segundo álbum, "Digital Screams". . Com oito faixas inéditas, o álbum reforça a identidade construída ao longo de sua trajetória, fundindo Heavy Metal, Thrash Metal e Hard Rock de forma equilibrada e autêntica. Produzido por Lucas Santorum, o disco evidencia a evolução técnica e artística dos músicos, mantendo a energia e a personalidade que sempre caracterizaram a Epitaph. Batemos um papo com o guitarrista Marlon e o baterista César sobre o mais recente trabalho e sobre a carreira do grupo. Confira!

Por Sergiomar Menezes

Fotos: Divulgação

Rebel Rock: "Digital Screams" chega com um peso impressionante, misturando elementos de Heavy Metal tradicional e Thrash Metal. Como vocês definem o processo de evolução sonora da banda desde o debute Getting Down to Business até este novo trabalho?

César: É um prazer para a Epitaph responder a esta entrevista para o Rebel Rock. Obrigado pelas palavras! Realmente, o processo de composição e evolução da banda foi longo: dezessete anos. Nesse período, enfrentamos os problemas que a maioria das bandas enfrenta, como mudanças de integrantes, definição das composições e decisão de lançar o álbum no momento apropriado. Por outro lado, tudo isso contribuiu para a qualidade do material, pois todos os que passaram pela banda, em algum momento, contribuíram para o produto final. O mais importante é que mantivemos nosso som e acrescentamos um pouco mais de modernidade ao nosso metal tradicional, sem alterar nossa proposta.

Rebel Rock: O conceito do álbum traz fortes reflexões sobre o impacto das redes sociais, a inteligência artificial e as transformações da sociedade moderna. De que maneira as angústias do século XXI influenciaram a composição das letras?

César: A Epitaph sempre colocou as letras no mesmo patamar que as músicas. Sempre buscamos mostrar, de forma inteligente, com um pouco de sarcasmo e humor, as loucuras dessa sociedade caótica em que vivemos. As letras do primeiro álbum, "Getting Down to Business", escritas a partir do início dos anos 2000, ainda se mantêm atuais, porque o mundo repete seus ciclos de guerras, perseguições etc. A diferença é que agora temos a forte influência das redes sociais e da inteligência artificial na vida das pessoas. Felizmente, contamos com um ótimo time de letristas que voltou a colaborar neste novo álbum: Dênis Winston e Gustavo Demarchi, que, além de escrever a faixa-título, também dividiu os vocais com Joe nessa música. Joe F. Louder também escreveu sua letra em homenagem à atriz Andressa Urach. O encarte do CD ajuda o ouvinte a acompanhar novamente as letras e as músicas, algo que acabou ficando esquecido nas plataformas digitais.

Rebel Rock: A faixa-título “Digital Screams” carrega um peso conceitual enorme. O que esse “grito digital” representa para vocês no contexto atual do mundo e da música?

César: Gustavo Demarchi foi certeiro na composição de "Digital Screams". Ele ouviu a música ainda na pré-produção e se ofereceu para escrever a letra, que fala sobre o domínio das redes sociais e, agora, da inteligência artificial sobre as pessoas. A música também aborda como a guerra virtual entre as pessoas, seja por questões políticas ou por qualquer outro assunto, acaba afastando e isolando indivíduos. Infelizmente, muitas pessoas abandonaram o diálogo e preferiram se fechar em suas próprias verdades. A música é excelente, tem um clima de Queensrÿche, e os vocais divididos entre Gustavo e Joe ficaram ótimos. A composição é minha e do Marlon Steindorff, e juntos fazemos um bom trabalho de composição. André também acrescentou alguns detalhes.

Temos orgulho dessa música!

Rebel Rock: O álbum conta com a produção de Lucas Santorum. Como foi a dinâmica de trabalho em estúdio com ele para alcançar essa sonoridade moderna, robusta e técnica que ouvimos no disco?

César: Quando reunimos o material para gravar, já tínhamos as pré-produções prontas, mas ainda faltava algo. Eu já havia gravado minhas baterias. A descoberta do Lucas foi primordial. Eu já estava trabalhando com ele na gravação do álbum do Volúpia, e ele entendeu que tipo de som eu queria. Na gravação da Epitaph, além de técnico, ele foi produtor, aconselhando-nos sobre detalhes das músicas, cobrando aquele take a mais e direcionando o foco da banda. Ele gravou grande parte dos vocais do Joe e todas as guitarras. Algumas partes foram gravadas com amplificadores digitais e outras com amplificadores reais, o que proporcionou o peso que queríamos. O baixo do Fábio também foi gravado muito rapidamente. Ficamos muito satisfeitos com o resultado final, e o Lucas ganhou de presente o solo de introdução da música "National Guard". Estamos ansiosos para gravar com ele novamente, pois algumas músicas não entraram neste álbum.

Rebel Rock: O disco abre com “Loser’s Life” e traz faixas marcantes como “The Girl Who Loved the Dead” (que ganhou videoclipe oficial), “NationalGuard” e “Blue Cave”. Como foi a seleção dessas 8 faixas inéditas entre o material que vocês compuseram?

César: Tínhamos 12 músicas compostas, e foi difícil escolher quais entrariam no álbum. Optamos por oito, que somam 46 minutos, um tempo excelente para um disco. A ideia é gravar o material que sobrou e lançá-lo como singles ou em um EP. São músicas excelentes! Montar o repertório do CD foi difícil, mas conseguimos distribuir as faixas de uma maneira que agradou bastante às pessoas. Adorei o final com influências de Southern Rock e blues de Blue Cave, que encerra o álbum e traz esses elementos para a nossa música.

Rebel Rock: Há uma faixa homônima à banda (“Epitaph”) bem no meio do tracklist. Qual é o significado especial dessa música em termos de identidade para o grupo?

César: A ideia de ter uma música com o nome da banda é antiga. Pedimos ao Dênis que escrevesse a letra, e o resultado ficou exatamente como queríamos. Ela dá identidade à banda e é utilizada na abertura dos nossos shows. Funciona muito bem ao vivo. Um spoiler: a música terá seu videoclipe oficial, que já foi gravado e será lançado em breve!

Rebel Rock: Como funciona o processo de composição das guitarras na Epitaph? Tendo duas mentes nas seis cordas (Marlon Steindorff e André Carvalho “Canhoto”), como dividem os riffs, harmonias e solos?

Marlon: Quando o André Canhoto entrou na banda, já tínhamos praticamente 90% do álbum composto em termos de riffs. Então, trabalhamos especialmente nas harmonias para duas guitarras, nos solos dobrados e nos solos individuais de cada guitarrista, dando ao Canhoto total liberdade de composição.

Particularmente neste disco, tivemos um processo de composição bastante variado na parte instrumental.

Algumas composições, como "Epitaph", "Something Better Than God" e "Digital Screams", tiveram os riffs criados em conjunto por Marlon e César (bateria). Alguns ex-integrantes também tiveram participação importante em determinadas músicas, como Márcio Supertti em "Road of Fire", e Raul Severo em "Blue Cave".

Rebel Rock: Musicalmente, a banda bebe de fontes clássicas como Black Sabbath, Judas Priest, Saxon e Accept, mas com uma pegada atual. Como é equilibrar essa paixão pela velha escola do metal com a modernidade ?

Marlon: Exatamente! Como uma banda de Heavy Metal, temos os grandes expoentes do gênero como referências principais, mas também incorporamos uma pitada de outros estilos, como o Thrash Metal. Isso é interessante porque confere uma identidade diferente às composições. Não nos apegamos a rótulos. Às vezes, surge algo bem pesado, mas logo em seguida aparece um clima totalmente diferente, como acontece em "The Girl Who's Loved the Dead" e também em "Metal Wings", do primeiro álbum. Essa é uma das marcas da Epitaph, que conseguimos manter em nossos dois álbuns.

Rebel Rock: A banda possui mais de duas décadas de história no underground brasileiro. Olhando para trás, quais foram os maiores desafios para manter a Epitaph ativa e relevante na cena por tanto tempo?

César: O maior desafio é manter o foco, acreditar na banda e amar a música que fazemos. Infelizmente, as mudanças de músicos fazem parte da trajetória de uma banda, mas nunca houve brigas quando alguém saiu. Todos os que tocaram conosco ao longo desses anos contribuíram para as composições e fazem parte da história da Epitaph. Na minha opinião, para uma banda continuar viva, ela precisa estar fazendo shows, pois é isso que motiva e dá continuidade ao grupo. A Epitaph já fez mais de 150 shows, em ótimos locais e em outros nem tanto. Todos foram importantes para nós, pois é nos shows que encontramos nossos fãs e conquistamos novos admiradores. Sobrevivemos à pandemia e à enchente e, felizmente, continuamos na ativa, orgulhosos de nossos 26 anos de estrada.

Rebel Rock: Com o lançamento recente e os shows ao vivo — como a festa de lançamento em Porto Alegre —, quais são as expectativas da banda para levar a turnê de "Digital Screams" para outras regiões do país?

César: Nossa expectativa é sempre buscar novos shows, mas todos sabemos que a logística é complicada para uma banda independente. Todos temos famílias e empregos regulares, mas conseguimos adaptar nossas agendas pessoais para viabilizar as apresentações. Obviamente, estamos fazendo contatos para realizar shows em outras regiões, que serão anunciados oportunamente.

Rebel Rock: O mercado musical mudou drasticamente com o streaming e o consumo digital (um tema bem alinhado com o conceito do disco). Como a Epitaph lida com a divulgação e o alcance da sua música nas plataformas digitais hoje em dia?

César: As plataformas digitais estão aí e hoje são a principal forma de ouvir música. Eu, particularmente, não as utilizo. Também não abri mão de lançar o CD físico, ainda que em quantidade limitada. O CD foi lançado antes de o álbum chegar às plataformas digitais, e isso ajudou muito nas vendas, pois as pessoas não estão acostumadas com esse tipo de lançamento. Meu sonho seria ter uma tiragem em LP, mas estou muito feliz com o CD, pois ele coroou o trabalho de todos os envolvidos: a arte da capa, criada por Rômulo Dias; o trabalho gráfico, realizado por Juliana Louis; enfim, todos os profissionais que trabalharam para que um excelente material físico chegasse ao ouvinte final e pudesse ser apreciado. Não há comparação com a frieza das plataformas digitais! (risos). Conseguimos fazer com que o álbum chegasse a ouvintes da Grécia, do Japão e de alguns países da Europa, além de recebermos ótimas resenhas. Pretendemos continuar esse trabalho de divulgação. Aqui no Brasil, também estamos recebendo excelentes avaliações. Isso comprovou o que já sabíamos: tínhamos um ótimo material, que demonstrou nossa evolução como músicos e compositores.

Rebel Rock: Para os fãs de longa data e para quem está conhecendo a banda agora através de "Digital Screams", qual mensagem vocês gostariam de deixar sobre o atual momento da Epitaph e o futuro do Heavy Metal brasileiro?

César: A Epitaph já passou por várias fases do Metal. Vivemos a época em que as bandas faziam shows lotados por conta própria, enfrentamos períodos de baixa e sobrevivemos a tudo isso. Atualmente, o público do metal tradicional não se renovou muito, mas temos conquistado novos fãs que não conheciam a banda e que nem sequer eram nascidos quando começamos nossa trajetória. É importante fazer com que as novas gerações se conectem com o Metal, pois muitos ainda olham para o gênero com desconfiança, por acharem que é música de tiozões conservadores. Outro problema recorrente é a escassez de lugares que abrem espaço para a música autoral, muitas vezes oferecendo datas pouco favoráveis. Porém, temos bandas parceiras que trabalham conosco, como Sin Avenue, Fire Machine, Cãonibal e Volúpia, entre outras, que também têm seu público. A Epitaph tem produzido seus próprios shows em locais com bons equipamentos. Além disso, eu e Marlon organizamos o Metal for Pets, evento que já teve três edições realizadas, nas quais arrecadamos alimentos para cães e gatos. No ano que vem, teremos mais uma edição!

Rebel Rock: Obrigado pela entrevista! Deixe um recado para os fãs e os leitores do Rebel Rock!

César: Quero agradecer à Rebel Rock pelo espaço e por sempre apoiar nosso trabalho. Também quero convidar as pessoas a seguirem nossas redes sociais e a adquirirem o CD. O apoio de vocês é muito importante, pois a Epitaph é formada por músicos que amam o Heavy Metal e fazem música de verdade.

Um grande abraço a todos!

REBEL ROCK RESEARCH - BRUCE DICKINSON

 

A carreira solo de BRUCE DICKINSON É uma das trajetórias mais audaciosas e respeitadas do heavy metal, marcada por uma busca incessante por autonomia criativa e pela recusa em ficar confinado ao som de sua banda principal. Após dar os primeiros passos solo de forma descontraída e voltada ao hard rock, sua caminhada tomou contornos verdadeiramente ambiciosos a partir de meados dos anos 1990. Nesse período de transição, o vocalista mergulhou em uma fase de intensa experimentação sonora, transitando por arranjos modernos, influências alternativas e sonoridades mais cruas — um movimento que demonstrou sua incrível versatilidade vocal, sua coragem artística e a disposição de desafiar as expectativas do público tradicional. O auge de sua jornada consolidou-se quando ele redefiniu sua parceria com o produtor e guitarrista Roy Z e com o parceiro de longa data Adrian Smith, retornando com força total às raízes do heavy metal mais denso, melódico e conceitual. Essa fase de ouro entregou composições monumentais fortemente inspiradas na literatura clássica, na poesia, na alquimia e na filosofia, provando que ele conseguia rivalizar com os maiores momentos da história do gênero. Mesmo após o seu retorno ao Iron Maiden, Bruce manteve seu trabalho individual vivo, autêntico e relevante ao longo de décadas, demonstrando que sua trajetória solo é um pilar essencial de sua identidade como artista e compositor. Confira nosso ranking!

Por Sergiomar Menezes

7º - SKUNKWORKS (1996)

Esse é lugar comum entre os fãs. Em um movimento audacioso e controverso, Bruce formou uma banda completa (chamada Skunkworks) com jovens músicos e lançou um álbum homônimo que mergulhou de cabeça no grunge e no rock alternativo. Produzido por Jack Endino (famoso por trabalhar com o Nirvana e Soundgarden), o disco apresenta guitarras secas, composições curtas e diretas, com uma estética visual totalmente desvinculada do universo do heavy metal clássico. Os destaques do álbum (se é que assim podemos chamá-los) incluem "Back from the Edge", "Solar Confinement","Octavia" e "Inertia", essa última famosa por ter sido incluída numa coletânea da falecida revista ShowBizz. Embora tenha sido incompreendido por grande parte dos fãs de metal na época de seu lançamento, SKUNKWORKS pode ser visto e ouvido como um trabalho de grande coragem artística. Ainda que isso não faça dele um grande trabalho. O álbum demonstrou a versatilidade vocal de Dickinson (o que não precisava ser provado) em registros mais contidos e melancólicos, além de ter sido uma etapa fundamental para que o vocalista derrapasse na pista antes de seu triunfal retorno ao metal pesado.

6º - TYRANNY OF SOULS (2005)

Lançado seis anos após o retorno de Bruce ao Iron Maiden, TYRANNY OF SOULS provou que sua carreira solo continuava viva. Gravado nos intervalos das turnês da banda principal e composto em parceria à distância com Roy Z, o álbum mantém a pegada pesada, melódica e teatral dos dois discos anteriores, mas um pouco aquém do que era esperado. Músicas como "Abduction", "Soul Intruders", "Kill Devil Hill" e a faixa-título demonstram o domínio absoluto de Bruce sobre o heavy metal moderno. O disco combina momentos de velocidade e peso com composições de grande sensibilidade melódica, como a balada "Navegate the Seas of Sun". "Tyranny of Souls" foi recebido com entusiasmo caloroso por imprensa e público, reafirmando que o hiato prolongado não havia diminuído em (quase) nada a química perfeita entre Dickinson e Roy Z.

5º - THE MANDRAKE PROJECT

Após quase duas décadas de espera, Bruce presenteou o mundo da música com THE MANDRAKE PROJECT, um trabalho conceitualmente ambicioso, acompanhado por uma série de histórias em quadrinhos. Produzido novamente por Roy Z, o álbum mergulha em temas de ciência, ocultismo, imortalidade e poder, apresentando uma rica variedade sonoras que transita entre o heavy metal moderno, o hard rock setentista, momentos progressivos e até flertes com trilhas sonoras cinematográficas. Destaques como "Afterglow of Ragnarok", "Rain on the Graves", "Many Doors to Hell" e a grandiosa "Eternity Has Failed" (composta por Dickinson originalmente para este projeto, mas que foi reivindicada pelo patrão Harris para o álbum 'The Book of Souls', tendo sido assim, lançado primeiro no trabalho do Maiden), mostram que a voz de Bruce permanece uma força da natureza. "The Mandrake Project" é um testemunho da energia inesgotável e da visão artística de um dos maiores ícones da história do rock/metal, reafirmando seu compromisso em criar arte relevante e impactante no século XXI.

4º - BALLS TO PICASSO (1994)

Após sua saída do Iron Maiden em 1993, Bruce buscou um som mais moderno e experimental para firmar sua identidade solo. Depois de engavetar um projeto inteiro por não se sentir satisfeito, ele se uniu ao talentoso guitarrista e produtor Roy Z e à banda Tribe of Gypsies. O resultado foi BALLS TO PICASSO, um disco que mistura o peso do heavy metal tradicional com elementos de rock alternativo, ritmos latinos e uma sonoridade típica dos anos 90, destacando-se em faixas como "Cyclops", "Hell No", "1000 Points of Light", "Sacred Cowboys", "Laughing in a Hiding Bush"" e a estrondosa "Tears of the Dragon". Essa última, em especial, tornou-se uma das composições mais aclamadas e emotivas de toda a carreira de Bruce, funcionando como um hino de libertação e recomeço pessoal. Embora o álbum apresente momentos de oscilação estilística devido ao período de transição, ele marcou o início da histórica e vitoriosa parceria com Roy Z, que definiria o futuro brilhante de sua carreira solo.

3º - TATTOOED MILLIONAIRE

Lançado enquanto Bruce ainda fazia parte do Iron Maiden, TATTOOED MILLIONAIRE nasceu quase por acaso, após o convite para escrever uma música para a trilha sonora do filme "A Hora do Pesadelo 5" (pra quem não sabe, "Bring Your Daughter to the Slaughter", que entrou em 'No Prayer for the Dying' do Maiden). Em parceria com o guitarrista Janick Gers, o álbum adota uma sonoridade bem distante do metal épico do Maiden, apostando em um hard rock direto, divertido e com forte apelo radiofônico. Faixas como a própria música-título, "Born in '58" e o cover de "All the Young Dudes" (Mott the Hoople) mostram um lado mais descontraído e pessoal do vocalista. Apesar da simplicidade dos arranjos em comparação aos trabalhos de sua banda principal, o disco foi recebido com entusiasmo pelo público e alcançou bom desempenho nas paradas. "Tattooed Millionaire" serviu como a primeira demonstração de independência criativa de Dickinson, provando que sua voz marcante e sua presença podiam brilhar em universos sonoros diferentes e mais acessíveis. E se era pra fazer algo igual a Donzela, pra que carreira solo, não é mesmo?

2º - ACCIDENT OF BIRTH (1997)

Considerado por muitos um dos grandes marcos do heavy metal dos anos 90 (confesso que fiquei muito na dúvida se esse álbum não deveria ter assumido o lugar mais alto do pódio), ACCIDENT OF BIRTH marcou o retorno definitivo de Bruce Dickinson ao som pesado e melódico. Reeditando a parceria perfeita com Roy Z na produção e nas guitarras, o álbum contou ainda com o reforço de luxo do guitarrista Adrian Smith (seu ex-colega de Iron Maiden). O resultado é uma tempestade de riffs poderosos, duelos memoráveis de guitarra e vocais avassaladores em clássicos como "Road to Hell", "Darkside of Aquarius", "The Magician" e a épica faixa-título. E como não citar a "balada" "Man of Sorrows", que ganhou até uma versão em espanhol chamada "Hombre Triste"? Com a icônica arte de capa criada por Derek Riggs (o criador de Eddie), o disco foi aclamado universalmente pela crítica e pelos fãs como um dos melhores trabalhos de metal da década. "Accident of Birth" resgatou a coroa de Bruce como um dos maiores vocalistas do gênero e pavimentou o caminho para o que viria a ser uma das fases mais criativas de sua vida.

1º - THE CHEMICAL WEDDING (1998)

Se o álbum anterior havia sido um triunfo, THE CHEMICAL WEDDING elevou ainda mais o nível e a criatividade de Bruce e consagrou-se como a obra-prima absoluta da carreira solo de Bruce Dickinson. Inspirado pela poesia e pelas gravuras de William Blake, além de temas ligados à alquimia e ao ocultismo, o disco apresenta uma sonoridade sombria, densa e com afinações de guitarra extremamente graves. Faixas esmagadoras como "King in Crimson", "The Tower", "Book of Thel" e a emocionante "Jerusalem", além da fantástica "Trumpets of Jehrico", mostram um nível de composição e ambição artística raros no heavy metal. A performance vocal de Bruce é monumental, combinando agressividade, alcance e interpretações dramáticas impecáveis, sustentadas pela produção impecável e pesada de Roy Z. "The Chemical Wedding" foi tão impactante que é frequentemente comparado aos grandes momentos do próprio Iron Maiden, provando que a carreira solo de Dickinson não era apenas um projeto paralelo, mas uma força criativa gigante e autônoma.

THE DAMN TRUTH - THE DAMN TRUTH (2026)

 

THE DAMN TRUTH
THE DAMN TRUTH
Shinigami Records/Frontiers Music srl. - Nacional

O Canadá é um país que já nos presenteou com vários grandes nomes do Rock/Metal: Rush, Triump,. Lee Aaron, Exciter, Anvil, Brian Adams, April Wine, para citarmos alguns apenas. E é de lá que vem esta grata surpresa, o The Damn Truth. A banda foi formada em 2009, em Montreal, e atualmente conta com Lee-la Baum (vocal principal/guitarra), Tom Shemer (guitarra solo/vocal), PY Letellier (baixo/vocal) e Dave Traina (bateria/vocal).

Um desavisado pegando as fotos da banda poderá achar que é uma banda dos anos setenta, pois o visual do quarteto é totalmente influenciado pela década citada, e o som também segue esta linha, porém totalmente oxigenado e sem cheirar a naftalina.

O álbum "The Damn Truth" é uma coletânea de onze canções sólidas e muito bem executadas. A abertura com “Be Somebody”, onde somos logo fisgados pelo excelente vocal de Lee-la e pelos riffs e solos de Shemer . A quarta faixa “If I Don’t Make It Home”, é uma "power ballad" com uma pegada rock que, certamente, não vai decepcionar. “All Night Long” começa com um riff de guitarra vibrante que dá o tom desta faixa roqueira. A faixa conta com um trabalho de guitarra excepcional do início ao fim. A última música de “The Damn Truth” é “The Dying Dove”. Lee-la Baum canta e interpreta as letras de forma emocional e sincera, impossível não curtir o vocal da moça, pois ela entrega tudo e mais um pouco na sua performance e faz isso com total convicção.

Destaquei apenas quatro músicas, mas o álbum num todo é de altíssimo nível. Se você curte a onda do retrô-rock, como Rival Sons, Blue Pills, Lucifer e outros, vai curtir com certeza o álbum do The Damn Truth. Lançamento nacional pela Shinigami Records.

José Henrique Godoy

ASIA - LIVE IN ENGLAND (2026)

 

ASIA
LIVE IN ENGLAND
Shinigami Records/Frontiers Music srl. - Nacional

Em 1981, dois ex-membros do gigante do Rock Progressivo, o Yes, o guitarrista Steve Howe e o tecladista Geoff Downes, formaram um novo supergrupo junto com outros dois músicos que já haviam se destacado na cena do rock progressivo dos anos setenta, o cantor e baixista John Wetton (ex-King Crimson, ex-Uriah Heep e ex-UK) e o baterista Carl Palmer (ex-Atomic Rooster e ex-ELP). Em 1982, eles gravaram com o nome de Asia, seu álbum de estreia altamente bem-sucedido. Passados quarenta e três anos, o único membro fundador remanescente da banda, Geoff Downes, junto com três músicos mais jovens, tocaram o álbum inteiro ao vivo em Sussex, na Inglaterra, para uma seleta plateia.

‘Live In England’ deixa claro de uma vez por todas por que o álbum de estreia do Asia foi tão enormemente bem-sucedido: todas as composições daquele álbum eram músicas incrivelmente boas. E o novo Asia, além de Downes, composto por John Mitchell (guitarra), Harry Whitley (baixo e vocais) e Virgil Donati (bateria), toca os originais de maneira muito competente. Especialmente Whitley é uma excelente escolha para substituir o saudoso e grande John Wetton.

Os sucessos “Heat Of The Moment”, “Only Time Will Tell” (os jovens a mais tempo lembram bem dessa na propaganda dos cigarros Hollywood, lá no início dos anos 80) e “Here Comes The Feeling”, hinos do rock progressivo da época, recebem uma performance muito boa, com uma pegada bem Rock e rejuvenescidas..

As outras composições originais como ”Time Again”, “Wildest Dreams”, "Without You” e “Cutting It Fine”, juntamente com as faixas bônus “Ride Easy” e “The Heat Goes On”, são tocadas maravilhosamente, assim como o grande destaque “Sole Survivor”. A boa notícia para os fãs é que o Asia fez apresentações no mesmo formato, tocando com esta formação outros dois outros álbuns originais, o segundo e o terceiro da discografia –‘Alpha’ e ‘Astra’ executados na íntegra e serão lançados em breve. Resta aguardar os lançamentos, e enquanto aguardamos, vamos aproveitar a audição de “Live In England”, que teve seu lançamento nacional via Shinigami Records.

José Henrique Godoy

THIN LIZZY - JOHNNY THE FOX 50 ANOS

 ESCRITO COMO SE NÃO HOUVESSE TEMPO A PERDER: OS 50 ANOS DE JOHNNY THE FOX

Do groove improvável de “Jimmy the Weed” à dor visceral de “Borderline”, o álbum onde o líder do Thin Lizzy tirou a armadura e fez a trilha sonora de nossas vidas

Por Fernando Aguiar

Escrito por um Phil Lynott doente e com pressa, gravado no meio de brigas e lançado à sombra de Jailbreak, o sétimo disco do Thin Lizzy completa meio século como o irmão “menos famoso”, e talvez o mais humano, da fase clássica da banda.

Para entender, precisa voltar para o começo de 1976. O Thin Lizzy tinha acabado de lançar "Jailbreak", em março, e pela primeira vez a coisa estava dando certo de verdade nos Estados Unidos. “The Boys Are Back in Town” tocava em todo lugar, a banda vinha abrindo para Aerosmith e Rush, e uma turnê americana com o Rainbow de Ritchie Blackmore estava marcada. Era o momento de virar gente grande na América. E foi exatamente aí que Phil Lynott caiu de cama com hepatite. A turnê foi cancelada, Phil voltou para o Reino Unido em junho e foi parar num hospital em Manchester.

Qualquer pessoa normal teria usado aquele tempo para descansar. Phil pegou papel e caneta e começou a escrever. Boa parte do que viria a ser Johnny the Fox saiu dali, de um sujeito doente, frustrado por ver o melhor momento da carreira escorrendo pelos dedos e decidido a não deixar a banda esfriar. Eu sempre acho que dá para ouvir isso no disco. Tem uma urgência ali, uma inquietação, que Jailbreak não tinha.

Em agosto, ainda se recuperando, Phil se juntou a Scott Gorham, Brian Robertson e Brian Downey para gravar, de novo com o produtor John Alcock, o mesmo de Jailbreak. As sessões começaram no Musicland, em Munique (que tinha a vantagem dos impostos tanto quanto a do som), mas logo voltaram para o Ramport, o estúdio do The Who em Londres, onde o disco anterior tinha sido feito.

E não foi um mês tranquilo. Ninguém estava satisfeito com o processo, conseguir um som de bateria decente virou novela, Phil ainda estava terminando de compor as letras e a banda brigava sobre o rumo musical. “Massacre”, segundo o próprio Alcock, foi escrita ali mesmo, no estúdio.

O atrito mais famoso, claro, foi entre Phil e Robertson. Quando Lynott apresentou “Don’t Believe a Word” pela primeira vez, ela era um blues lento, de doze compassos. Robbo, com a delicadeza que era a marca registrada dele, disse que aquilo era uma porcaria (a palavra original era bem menos educada). Phil ficou ofendido e simplesmente sumiu por alguns dias. Nesse meio tempo, Robertson se arrependeu de ter pegado pesado e foi com Downey retrabalhar a música: o baterista criou aquele shuffle acelerado, Robbo bolou o riff, e quando Phil voltou, gostou do que ouviu. A faixa saiu creditada só a ele, o que deixou Robertson irritado por anos. E a versão lenta não morreu: Phil a gravou com Gary Moore em Back on the Streets, de 1978.

Essa história resume bem o Thin Lizzy daquela época. Uma banda em que o conflito, quando dava certo, virava música boa.

Johnny the Fox chegou às lojas em 16 de outubro de 1976, apenas sete meses depois de Jailbreak. A capa, mais uma vez de Jim Fitzpatrick, tem aquela moldura de nós celtas que é uma das mais bonitas da discografia, e com um detalhe curioso: Fitzpatrick teve que entregar a arte antes de o disco ter nome.

“Johnny” abre o disco com peso e drama, Phil fazendo o que sabia como ninguém, que era transformar um personagem de rua em figura de lenda. “Rocky” vem na sequência, cheia de marra, e segundo Robertson foi escrita pensando nele. Faz todo sentido: é uma música sobre um rockstar convencido, e se tinha alguém naquela banda que se encaixava no perfil, era o escocês. Depois vem “Borderline”, que vou deixar para o final, pois essa merece espaço próprio. Aí “Don’t Believe a Word”, dois minutos e pouco de perfeição, provavelmente a melhor letra de “não confie em mim” que alguém já escreveu no hard rock. E fechando o lado, “Fool’s Gold”, com Phil voltando ao tema da Irlanda e da emigração, uma faixa grandiosa, que mostra o lado poeta e meio historiador dele.

Já “Johnny the Fox Meets Jimmy the Weed” é o ponto fora da curva de toda a carreira do Lizzy: um groove meio funk, com metais, que soa mais como trilha de filme policial dos anos 70 do que como hard rock irlandês. Na época, muita gente torceu o nariz. Hoje, a faixa foi parar na coletânea Ultimate Breaks and Beats, aquela que os DJs de hip-hop usavam para garimpar batidas, o que diz muito sobre o ouvido de Downey e Gorham, que assinam a música junto com Phil.

“Old Flame” é o Phil cantor de rua, folk, com aquela melodia que gruda e uma doçura que só ele conseguia colocar sem soar meloso. “Massacre” é a pancada do disco, com as guitarras gêmeas a toda e um clima de urgência que justifica quem diz que Johnny the Fox é um dos álbuns mais pesados do Lizzy nos anos 70. “Sweet Marie”, parceria com Gorham, é uma balada linda que merecia ser muito mais lembrada.

E fechando, “Boogie Woogie Dance”, que costuma levar pancada de muita gente. Já li mais de uma resenha tratando a faixa como enchimento. Eu vejo de outro jeito. Depois de tanto drama, de personagens marginais, de emigração, de massacre e de coração partido, Phil termina tudo chamando a galera para a pista. É rock’n’roll de bar, sem pretensão nenhuma, com aquele balanço que o Lizzy tirava de letra. E tem algo de muito Phil nisso: o cara que escreveu o disco doente, numa cama de hospital, encerrando com um convite para dançar.

Comercialmente, o disco foi bem no Reino Unido: chegou ao 11º lugar e ganhou disco de ouro. “Don’t Believe a Word” saiu como single em novembro e bateu no 12º lugar por lá, e no segundo na Irlanda. Nos Estados Unidos, porém, o embalo de Jailbreak simplesmente não se repetiu. A turnê cancelada tinha custado caro.

E o azar continuou. Depois da turnê britânica de outubro e novembro (com uma banda americana chamada Clover abrindo, liderada por um tal de Huey Lewis), Robertson machucou feio a mão com uma garrafa numa briga de bar, atingindo artéria e nervo. A turnê americana foi adiada para janeiro de 1977, e quem segurou a guitarra no lugar dele foi Gary Moore. Johnny the Fox acabou sendo o último disco gravado com Robbo como membro pleno da banda do começo ao fim.

Ou seja: se o álbum não teve o mesmo tamanho de Jailbreak, foi por doença, por briga, por mão cortada e por timing. Nunca por falta de música. Ele costuma ser tratado como “o disco entre Jailbreak e Bad Reputation”, e isso sempre me incomodou. Para mim, Johnny the Fox é o Thin Lizzy no seu momento mais completo: pesado, variado, ousado, irlandês até a alma e liderado por um cara que tinha acabado de levar um susto com a própria saúde e escrevia como se não tivesse tempo a perder. Olhando hoje, sabendo como a história de Phil terminou, essa pressa fica ainda mais dolorida.

E agora, ela, a pérola escondida no meio da discografia da banda, que entre a marra de “Rocky” e a urgência de “Don’t Believe a Word”, “Borderline” é aquele tipo de música que você descobre meio sem querer e nunca mais esquece. Composta por Phil em parceria com Brian Robertson, é uma balada de coração partido com cheiro de country, guitarras chorosas e Lynott cantando como um cara sozinho no balcão de um bar, tentando entender onde foi que perdeu a mulher que amava. Não tem refrão para estádio, não tem riff para camiseta. Tem só verdade. Para mim, ela divide com “Still in Love with You” o posto de balada mais bonita e mais íntima que o Thin Lizzy já gravou. São duas músicas irmãs: as duas falam de um amor que acabou, mas que se recusa a ir embora, e nas duas Phil, o durão de jaqueta de couro, o rebelde de Dublin, tira a armadura e se mostra inteiro, frágil, sem pose nenhuma. A diferença é que “Still in Love with You” ganhou o mundo nos palcos, enquanto “Borderline” ficou guardada. Até onde se sabe, o Lizzy nunca a tocou ao vivo. O único registro dela fora do disco é uma aparição de Phil no Me and My Music, programa da RTÉ, a TV irlandesa, gravada em 15 de setembro de 1976, um mês antes de Johnny the Fox chegar às lojas, e exibida só em 2 de janeiro de 1977. Phil aparece sozinho, sem a banda, cantando em playback. Só ele, a música e aquela cara de quem está contando um segredo. Foi em casa, para os irlandeses, que ele apresentou “Borderline” pela primeira e única vez. Durante décadas ela ficou assim, um daqueles lados B que a gente mostra para os amigos com cuidado, quase como quem divide uma coisa íntima. Até que, em 16 de dezembro de 2022, no show beneficente Helping Hands, em Los Angeles, o Metallica, como de costume apresentou um set acústico e fez o que nem o próprio Lizzy tinha feito: tocou “Borderline” ao vivo. James Hetfield, que meses antes tinha entrado com o pedido de divórcio, cantou com aquela voz gasta de quem estava vivendo cada linha, e no final agradeceu a Phil Lynott por ter escrito uma música sobre a vida dele. Quando ouvi aquilo, eu entendi na hora. Porque é exatamente isso que “Borderline” é para mim também: a letra da minha vida. Tem música que a gente gosta, e tem música que parece ter sido escrita olhando por cima do nosso ombro, sabendo coisas que a gente nunca contou para ninguém. Phil não me conheceu, e mesmo se estivesse vivo a probabilidade de isso acontecer também seria mínima, e mesmo assim deixou ali, em quatro minutos e meio de um disco de 1976, tudo aquilo que eu um dia senti e não soube dizer. 

Cinquenta anos depois, uma canção que ele só cantou uma vez, em playback, numa TV irlandesa, ainda consegue colocar em palavras o sentimento de um headbanger do outro lado do planeta e a de outro que lota estádios no mundo inteiro. Obrigado, Phil por ter escrito a música da vida dele, e da minha também.