EDENBRIDGE - SET THE DARK ON FIRE (2026)

 

EDENBRIDGE
SET THE DARK ON FIRE 
Steamhammer/SPV - Importado

O grupo austríaco EDENBRIDGE retorna com seu décimo segundo álbum, intitulado SET THE DARK ON FIRE, um trabalho que representa tanto o retorno da banda à Steamhammer/SPV quanto seu som mais pesado. Mas, ao mesmo tempo, permanecem fiéis ao estilo que lhes garantiu muitos fãs ao longo dos anos. O som do grupo sempre primou pela elegância e melodia, e dessa vez, não poderia ser diferente, considerando sua produção grandiosa. O álbum é mais um daqueles trabalhos que soam quase como se fossem uma "metal opera", trazendo elementos e letras unidas por um tema que aborda de narrativas e temas ligados à vida e aos elementos naturais da terra.

Completando 27 anos de carreira, o grupo formado pela vocalista Sabine Edelsbacher, pelo guitarrista e tecladista Arne "Lanvall" Stockhammer (principal compositor), Pelo também guitarrista Sven Sevens e pelos baixista e baterista, respectivamente, Stefan Gimpl e Johannes Jungreitmeier, nos traz um álbum, como já citado anteriormente, bastante pesado, mais voltado ao Heavy Metal, mas sem deixar de lado suas características melódicas, com passagens sinfônicas e orquestrações muito bem elaboradas, cortesia de Lanvall. A bonita capa entrega aquilo que ouviremos: uma mistura entre o peso e a harmonia, numa bela coleção de momentos que se fundem, criando o clima perfeito para a sonoridade do grupo.

"The Ghostship Diaries" abre o álbum com guitarras pesadas numa pegada bem metal tradicional, enquanto a bela voz de Sabine nos guia pelas harmonias da composição. E aqui eu deixo um questionamento: porque Sabine nunca é lembrada como uma das grandes vocalistas do estilo? Sua voz é suave e ao mesmo intensa, forte, sem precisar fazer malabarismos mirabolantes pra ficar em evidência. Baixo e bateria garante uma base pesada, mostrando a ótima escolha para a abertura: uma faixa impactante e criativa! Na sequencia, outro momento bastante pesado e denso "Cosmic Embrace". Apesar de passagens mais suaves, que ganham maior consistência na voz da vocalista, os riffs garantem a intensidade que o estilo praticado pelo grupo pede. No entanto, uma pegada mais medieval, com toques de Blackmore's Night, invade "Where the Wild Things Are", com um refrão melódico e de fácil assimilação. A curta instrumental "Tears of the Prophets" antecede "our Palce Among the Stars", que faz o ritmo cair, não em intensidade, mas em velocidade. Num andamento mais lento, a banda explora várias nuances, navegando entre o sinfônico e o melódico, enquanto Sabine mostra sua qualidade em belas linhas vocais.

A faixa-título, "Set the Dark on Fire", é uma composição com toques mais modernos, em mais um ótimo momento da duplas Stefan e Johannes, que formam uma cozinha coesa e entrosada. A faixa traz também um dos refrãos mais voltados ao metal melódico do álbum. "Bonded by the Light", por sua vez, me remeteu a alguma trilha sonora, daqueles filmes ambientados na Nova Yorque dos anos 50/60. Um momento mais suave e belo dentro de um álbum intenso. "Divine Dawn Reveal", outra pequena instrumental, com elementos folk e celtas, nos guia até "Lighthouse", uma faixa grandiosa, épica e imponente, de longe, o momento mais melódico e sinfônico do trabalho. O encerramento vem com "Spark of the Everflame", dividida em quatro partes. Na verdade, são quatro faixas totalmente diferentes. "Let Time Begin", é como se fosse uma intro majestosa, que antecede "The Winding Road to Evermore", que em certos momentos, nos remete ao metal mais atual, até mesmo ao que bandas como o Evanescence fez em algum de seus trabalhos. Mas eles não têm a classe e categoria de Sabine. "Per Aspera Ad Astra" traz elementos sinfônicos muito bonitos enquanto "Where it Ends, Where it Starts", encerra o álbum com todos os elementos do Edenbridge: melodias, belos vocais, solos técnicos, elementos sinfônicos e muita classe.

SET THE DARK ON FIRE não é um álbum inovador. Muito menos estará entre os melhores álbuns do ano deste que vos escreve. Mas é um trabalho revigorante de uma banda que merecia (e merece) um maior reconhecimento por parte do público e não apenas por seus fãs. Guitarras pesadas, belas melodias e uma vocalista que canta de forma suave sem exageros, fazem do EDENBRIDGE uma banda a se conhecer melhor.

Sergiomar Menezes

REBEL ROCK ENTREVISTA - THE MIST

 

O álbum “The Dark Side of the Soul (An Anatomy of the Soul)”, sucessor do EP The "Circle of the Crow" (2022), marca o retorno da banda mineira — atualmente formada por Vladimir Korg (vocal), Edu Megale (guitarra), Wesley Ribeiro (baixo) e Lina Linassi (bateria) — às suas raízes mais puras do thrash metal, agora aprofundadas por uma atmosfera ainda mais sombria, conceitual e agressiva, com produção assinada por André Damien no estúdio Maçonaria do Áudio e mixagem e masterização a cargo do renomado produtor dinamarquês Tue Madsen, conhecido por trabalhos com nomes como Meshuggah, Rob Halford, Moonspell, Behemoth, Vader, Vio-lence, Ektomorf e Kataklysm, enquanto a impactante arte de capa resgata uma ilustração de 1983 do lendário artista Michael Whelan, célebre por trabalhos para Stephen King, H.P. Lovecraft e bandas como Obituary e Sepultura. Lançado mundialmente em novembro pela gravadora portuguesa Alma Mater Records, fundada por Fernando Ribeiro (Moonspell), com distribuição da BloodBlast, braço da Believe/Nuclear Blast, o disco dá continuidade à tradição de obras conceituais do grupo, como o clássico "The Hangman Tree", porém com uma abordagem ainda mais visceral e perturbadora, construindo uma narrativa distópica guiada por diálogos entre uma alma atormentada e um cérebro tomado pela fúria, em uma crítica cortante à condição humana contemporânea, onde vaidade, futilidade e ódio são expostos sem piedade em letras que, segundo Korg, pretendem “cortar o ouvinte em pedaços”, ideia reforçada pela própria gravadora, que destaca diálogos improváveis e provocações diretas — como a inquietante pergunta “É agora que todos vão morrer?” — para definir o álbum como uma obra intensa, sem concessões, que não apenas atualiza como fortalece o thrash metal forjado em Belo Horizonte, entregando da primeira à última faixa um verdadeiro “quebra-pescoços” brutal, crítico e absolutamente fiel à essência do gênero. William Ribas bateu um papo com Korg a respeito do novo álbum e o resultado você confere à seguir.

Por William Ribas

Fotos: Alexandre Biciati

Rebel Rock: São trinta anos separando Gottverlassen de The Dark Side of the Soul. A resenha que escrevemos destaca que o mundo mudou para pior nesse tempo — ficou mais cínico e medíocre. O que foi o "estopim" para que o The Mist decidisse que agora era o momento exato para quebrar esse silêncio e lançasse um novo trabalho de inéditas? 

Vladimir Korg: Tínhamos a possibilidade de um contrato com uma gravadora bastante renomada por meio de um agente, mas precisávamos ter algo novo. Eu e Megale nos concentramos para criar músicas novas dentro de um conceito que eu já tinha escrito desde 2019. Nosso tempo foi curto, e eu mesmo fiz a produção executiva para agilizar o processo. Tínhamos realmente o tempo contra nós, mas conseguimos. Só que precisávamos de um montante de dinheiro para dar andamento ao contrato, e não conseguimos levantar esse valor. Tínhamos um álbum, e eu acreditava muito no potencial do trabalho. Foi desgastante, principalmente para mim e para o Megale. Decidi levar a produção adiante e lançar o álbum como lancei o EP The Circle of the Crow, mas o Fernando Ribeiro (Moonspell), dono da Alma Mater Records, tinha me feito um convite para fazer parte do cast e lançar algo novo, e eu tinha esquecido totalmente disso. Isso ajudou bastante a alavancar o álbum e levá-lo para a Europa e para outros continentes. Ficamos com o álbum dois anos até o lançamento definitivo e, mesmo assim, ele não perdeu seu frescor, seu olhar contemporâneo de crítica e indignação. Acho que o conceito ajudou bastante, pois a questão da desumanização e da futilidade que vivemos hoje só piorou. 

Rebel Rock: As bandas dos anos 80/90 retornam apoiadas puramente na nostalgia. O novo álbum, contudo, soa moderno e soa como um "acerto de contas”. Como foi o processo mental da banda para evitar a armadilha de tentar soar como em 1991 e, em vez disso, criar algo que soe relevante?

Korg: Não foi difícil, porque não foi intencional. Apenas fizemos o que sabemos fazer: música! Soar como o passado é meio perda de tempo, porque, na época, queríamos falar sobre o nosso tempo e não sobre coisas antigas. O EP já dava uma pista de que não estávamos mais presos ao passado.Sempre puxamos a orelha dos nossos fãs quando citam 1991 ou o The Hangman Tree, porque somos a continuação do Gottverlassen e não do The Hangman Tree. Há uma cronologia lógica no caminhamento da banda. Mesmo que eu não tenha participado do Ashes to Ashes e do Gottverlassen, esses trabalhos não podem ser ignorados.Somos uma banda que trata de coisas do agora, como éramos quando fizemos nossos trabalhos do passado. É impossível e desnecessário fazer emulações dos anos passados, porque não somos mais as mesmas pessoas, e tampouco precisamos seguir cartilhas do metal moderno para parecermos atuais. 

Wesley Ribeiro, Edu Megale, Vladimir Korg, Lina Linassi

Rebel Rock: Aproveitando, como foi achar o equilíbrio certo entre preservar a essência clássica do The Mist e incorporar uma brutalidade contemporânea?

Korg: Não pensar sobre isso. Apenas fizemos o álbum. Nosso objetivo era sair daquilo vivos e razoavelmente normais (parece que falhamos neste último). Não tivemos muito tempo para pesquisar ou trilhar um caminho. Apenas passamos madrugadas compondo. Compusemos o álbum todo em dois meses e meio. Algumas músicas eu cantei pela primeira vez dentro do estúdio. 

Rebel Rock: O conceito de "Anatomia da Alma" é fascinante e perturbador. A ideia de dar voz a órgãos (Fígado, Pulmões, Coração) para dialogar com a alma cria uma narrativa muito visual. De onde surgiu essa ideia de dissecar a condição humana biologicamente e moralmente?

Korg: Foi algo planejado desde o início ou surgiu durante as composições? A ideia me veio à cabeça assistindo a uma dissecação de um cadáver na sala de anatomia da Faculdade de Medicina, em 2019. Comecei a escrever o álbum a partir daí. O lance era não fazer algo centrado em anatomia, e sim criar uma poética tendo como base as estruturas anatômicas.É claro que eu tinha represado muita coisa, muitos sentimentos e tal desde a pandemia. Foi colocar tudo em um caldeirão e mexer. É muito legal quando alguém sente essa perturbação que você disse, porque prova que o álbum foi ouvido — coisa difícil hoje em dia. 

Rebel Rock: Korg, seus vocais neste disco soam diferentes de tudo que você já fez. Há um desespero, uma alternância entre o escárnio e o pedido de socorro que soa incrivelmente. Como foi a preparação emocional para gravar vozes que precisavam soar como alguém "preso dentro do próprio corpo”? 

Korg: Acho que a urgência do álbum não me deu muito tempo para elaborar. Tive que me virar e me concentrar em como a música e as canções me afetavam. Tive uma excelente direção do André Damien, que me puxou a orelha às vezes quando minha falta de confiança batia. Sua presença na primeira fase da gravação foi muito importante. Acho que ele percebeu a responsabilidade do trabalho e o quão histórico, para a marca The Mist, era aquela confusão toda. 

Vladimir Korg

Rebel Rock: Na faixa “Geppetto's Song”, existe uma crítica ácida ao que chamamos de "contos de fadas”. Por que foi importante para vocês desconstruir essa visão inocente? Vocês acreditam que essa infantilização da sociedade é parte da doença moderna que o álbum diagnostica?

Korg: Sempre usei o The Mist como dispositivo para criticar uma moral muito “estadunidense”, à qual a minha geração foi submetida. E o universo da Disney foi muito utilizado para isso. A questão da mulher princesa, o homem como príncipe encantado, e como eram colocadas as coisas para as crianças, como elas deveriam se portar e tal. Sempre em um universo branco, perfeitinho demais e, é claro, inalcançável para pessoas nascidas no terceiro mundo, pessoas pretas ou fora do padrão que eles criaram. Sobre a infantilização, eu penso muito nisso de uma outra perspectiva. Acredito muito que seja uma imbecilização coletiva, e a internet e as redes sociais ajudaram muito para que isso acontecesse. Não que a internet seja a culpada por isso; ela se tornou um meio para que os imbecis se manifestem. Não estou falando sobre política, mas ela também está aí. As pessoas parecem ter descoberto que, sendo estúpidas, conseguem se comunicar melhor com mais pessoas e se destacar dentro desse universo; ou seja, os estúpidos estão mais organizados e em grupos imensos, em um universo de estupidez cada vez maior. As pessoas que realmente poderiam fazer diferença estão lendo livros ou angustiadas dentro de um mundo em que elas têm que dar uma espécie de moonwalker intelectual para serem entendidas. 

Rebel Rock: As letras expõem vaidade, futilidade, ódio e medo com brutalidade pouco comum. Vocês enxergam esse disco como um reflexo direto do mundo atual ou como algo mais íntimo e autobiográfico?

Korg: Um pouco dos dois. Às vezes, um pouco de alerta, mas sem nada messiânico. Quando eu falo que todo mundo morre e você tem que dar um jeito na porra da sua vida, isso é ingênuo? É o que os pais falam para os filhos desde que eles tomam consciência sobre o mundo. Mas como nos tornamos imbecis é bom lembrar. É claro, estou usando o termo “imbecil” de forma rudimentar, já que ele foi abolido para designar pessoas com desenvolvimento intelectual limitado no campo da neurologia. O termo se tornou um meio para ofender as pessoas; não é este o caso. Acho que “estúpidos” seria mais apropriado. Seja como for, ainda temos um certo nível de percepção para ver o quanto o mundo tem se tornado estranho e, muitas vezes, ridículo, e não nos importamos mais. As pessoas mentem sobre elas mesmas e sobre as coisas em volta. Construímos um simulacro onde depositamos o nosso pior e, mesmo assim, sorrimos com nossos sorrisos falsos em prol de uma imagem instável moldada por aquilo que foi — bastante apropriadamente — conceituado por Bauman como modernidade líquida. Acho que o álbum em si fala sobre o mundo que construímos para viver, mas no qual só alguns vivem. Quando falo de viver, é viver mesmo, e não sobreviver. O mundo que construímos não é para nós mesmos vivermos nele, e sim para alguns. Apenas temos uma visão ordinária sobre tudo.O que conhecemos é o que hoje nos permitem conhecer. Somos apenas óleo para as engrenagens que movem um mundo ao qual não pertencemos e do qual não usufruímos plenamente. Por isso, na primeira canção já tem um backing vocal insistente: Acorde! 

Rebel Rock: Em faixas como “The Curse of Life” e “Death – Return to Sender”, a morte surge não como metáfora distante, mas como presença constante. A consciência da finitude foi um motor criativo neste álbum?

Korg: Também. Em um mundo de mentiras, a morte é a verdade absoluta. Na música NAMBER, há um trecho que diz: “Estou vivendo na minha caverna de Platão, jogando com minhas sombras e, no final, eu sempre perco.” Eu fiz o possível para que essa frase fosse entendida de forma desesperada. Porque, às vezes, acho que a rapidez do mundo contemporâneo e a nossa rotina de sobrevivência se assemelham ao chamado “abraço do afogado”. 

Rebel Rock: O lançamento mundial ocorre pela Alma Mater Records, do Fernando Ribeiro (Moonspell). Ter um músico de uma banda icônica gerindo o selo muda a forma como o trabalho de vocês é tratado? Existe uma compreensão maior da "alma" da banda nesse caso? 

Korg: Fernando é um irmão do metal. Ele sempre foi um admirador do metal brasileiro e um grande fã do The Mist. Fomos tratados com muito respeito pela Alma Mater, e ele nos deu a possibilidade de termos um cara como Tue Madsen para finalizar nosso trabalho e um trabalho do Michael Whelan para a nossa capa.Ele tem consciência das dificuldades que temos por aqui, e eu sempre fui muito honesto com ele sobre isso. 

Rebel Rock: A última faixa, Return to Sender, encerra o disco com uma sensação de exaustão e entrega. O título sugere um fim, mas a energia da banda sugere um recomeço. O que podemos esperar do The Mist daqui para frente? A "jaula" foi aberta de vez? 

Korg: Hoje é difícil prever o futuro para uma banda. Sem querer, usei a mesma aura de fim para este álbum como usei em "Leave Me Alone", no The Hangman Tree. Mas não é um fim para este conceito. Este mundo é um terreno fértil para o heavy metal. O capeta hoje é tão inofensivo!!! 

Rebel Rock: Como é um trabalho cheio de conceitos, quase como atos de uma peça, acredito que seria extremamente interessante ter o álbum tocado na íntegra nos shows de divulgação. Vocês conversam sobre isso? Existe essa possibilidade? 

Korg: Não agora. Talvez um dia. O álbum acabou de nascer. Ele conversa bem com os primeiros álbuns, e conseguimos agradar a todos. Não vejo um setlist sem "Peter Pan Against the World" ou 'The Hangman Tree". 

Rebel Rock: Obrigado pela entrevista. Deixe uma mensagem para os nossos leitores. 

Korg: Eu que agradeço. Um abraço a todos os leitores do Rebel Rock. Ouçam o The Mist e comprem nossa nova marcha, que está foda. Na nossa bio do The Mist tem o endereço da nossa loja. Stay Metal!!!

MEGADETH - MEGADETH (2026)

 

MEGADETH
MEGADETH
Shinigami Records/BLKIIBLK - Nacional

A notícia do encerramento do Megadeth em meados de 2025 reverberou com o impacto sísmico de uma bomba. Não foi apenas o anúncio do fim de uma banda, mas o prenúncio do encerramento de um capítulo fundamental da história do heavy metal. O grupo vinha de dois ótimos álbuns (Dystopia e The Sick, The Dying… and the Dead!), trabalhos que provaram que criatividade, agressividade e relevância ainda pulsavam com força total. Claro, houve mudanças de integrantes — mas, sejamos sinceros, após mais de 40 anos de estrada, isso sempre fez parte do DNA do Megadeth.

Nos últimos meses, Dave Mustaine declarou que um dos principais motivos para essa decisão são os problemas em seu braço, o que nos leva inevitavelmente a revisitar o início dos anos 2000, quando a banda já havia encerrado suas atividades devido a sérios problemas nas mãos de Dave. A história, curiosamente, parece fechar um ciclo exatamente da forma como começou: com dor, resiliência e escolhas difíceis.

Outra declaração curiosa é a de que o álbum serviria como um encerramento no auge do Megadeth — e, após dias mergulhado nesse trabalho, é uma sentença com a qual é impossível discordar. Ainda estou buscando encontrar um lugar definitivo para o auto-intitulado entre meus favoritos do grupo e sigo em busca das fases da banda às quais o álbum me remete. Por ora, chego a duas conclusões bastante claras: Megadeth ocupa confortavelmente um top 8 pessoal, e a mistura de Youthanasia, Cryptic Writings, The World Needs a Hero e The Sick, The Dying… and the Dead! parece ser exatamente a fórmula que pavimentou o caminho para o possível sucesso do 17º — e derradeiro — trabalho de estúdio do grupo.

A formação que acompanhou Mustaine permanece a mesma dos últimos anos, com James LoMenzo (baixo), Dirk Verbeuren (bateria) e o estreante em estúdio Teemu Mäntysaari. Uma formação madura, entrosada, forjada no calor e perrengues da estrada faz com que as 11 músicas soem incrivelmente orgânicas, afiadas e vivas. Por mais que eu compreenda e respeite os motivos de Dave, a cada riff — e o álbum é abarrotado deles —, a cada solo ou linha de harmonia, surge aquela dúvida incômoda e inevitável: será que realmente é hora de guardar a guitarra? O cara está detonando, p***!

Como prelúdio do fim, o Megadeth optou por apresentar ao público, ao longo dos meses que antecederam o lançamento, três das quatro primeiras faixas como singles. “Tipping Point” veio primeiro, cumprindo com maestria o papel de faixa de abertura — dois pés no peito do fã, velocidade máxima e aquela sensação imediata de retorno aos melhores dias do thrash metal. Em seguida, a quase punk “I Don’t Care”, ácida, direta e insolente, deixa claro que o espírito rebelde continua intacto. Mais do que uma música, é um manifesto de como Mustaine jamais se curvou às expectativas alheias — ele sempre fez, e segue fazendo, o que bem entende. Depois, temos “Hey God?!”, pesada, com um andamento arrastado e linhas vocais surpreendentes. Arrisco dizer que este álbum seja o melhor desempenho vocal de Dave em toda a sua carreira. Talvez ele esteja mesmo certo: parar no auge.

A quarta faixa, também single, é “Let There Be Shred” (o título seria uma homenagem ao AC/DC?). Aqui, a agressividade assume o comando absoluto — pé no acelerador, solos velozes e aquela vontade quase instintiva de bater cabeça. “Puppet Parade” e “Another Bad Day” trazem uma breve sensação de calmaria. Não são músicas lentas, nem tão pesadas, mas faixas conduzidas pela melodia, com refrões que grudam e aquele apelo imediato de sair cantando. É impossível não ser transportado para 1997 e imaginar ambas rodando na programação da rádio rock da sua cidade.

“Made to Kill” já deixa clara sua missão logo no título. Dirk abre a faixa de forma primorosa, preparando o terreno para um riff monstruoso despejado pela mão direita de Mustaine. Se essa música entrar no setlist da turnê, preparem-se para o pandemônio. Teemu entrega um solo exemplar, cheio de virtuosismo, técnica e agressividade na medida exata. “Obey the Call” surge com uma falsa calmaria — linhas de baixo contidas, batidas calculadas, guitarras sutis — até que, pouco a pouco, tudo cresce, se acumula e explode de maneira surpreendente.

Por mais que o tracklist pareça longo — e eu mesmo, em certos momentos, defenda a volta dos álbuns com apenas oito faixas —, Megadeth é tão envolvente e de assimilação tão imediata que, quando nos damos conta, já estamos diante do final. “I Am War” surge como prova da criatividade do quarteto: pesada, repleta de linhas melódicas e quebras inteligentes. Confesso: “The Last Note” deveria ser o verdadeiro ato final deste álbum — e é quase um pecado que não seja. O que essa faixa entrega ao fã é uma carta aberta de Dave Mustaine aos seus súditos, aos fiéis escudeiros, àqueles que permaneceram ao seu lado no começo, na glória, no risco e na redenção.

Ela concentra tudo o que o Megadeth tem de melhor. Algumas passagens remetem diretamente à era Rust in Peace, enquanto seu final acústico e melancólico deixa um sabor agridoce raro, intenso e profundamente emocional.

Dave Mustaine declarou que “Ride the Lightning” não é apenas um cover, mas o fechamento de um ciclo, o retorno ao marco zero. Certo ou errado, cada um terá seu julgamento. O meu está claro acima: o álbum deveria ter silenciado na faixa anterior, mesmo que esta venha como a "cereja do bolo". Sobre a música em si: é uma execução fiel à original — talvez um pouco mais veloz? Sim. Mas funciona estritamente como uma homenagem direta ao início de tudo.

Tudo o que envolve Megadeth é, de certa forma, assertivo. A capa funciona de imediato — daquelas que você já imagina estampada em uma camiseta. As músicas são excelentes e entregam, em essência, tudo aquilo que a história da banda construiu até aqui. Este álbum não apenas honra o legado: ele o sela. Fecha de maneira grandiosa, digna e espetacular a trajetória de uma das bandas mais importantes da história do heavy metal.

Obrigado, Megadeth.

Obrigado, Dave Mustaine.

William Ribas

BABYLON A.D. - WHEN THE WORLD STOPS (2025)

 

BABYLON A.D.
WHEN THE WORLD STOPS
Kivel Records/Apocalypse Records - Importado

Fundada no final da década de 80, mais precisamente me 1987, a banda BABYLON A.D. é uma cria da Bay Area de San Francisco. Obviamente que por ser uma banda de um estilo diferente, ela não carrega consigo riffs nervosos, bateria intensa e veloz e vocais rasgados. Muito pelo contrário. Prestes a completar 40 anos de carreira (entre algumas idas e vindas) o quinteto californiano chega agora ao seu 6º álbum de estúdio. WHEN THE WORLD STOPS, lançado lá fora pela Kivel Records em parceria com a Apocalypse Records, é um trabalho maduro, repleto de boas melodias, mas que não apresenta nada de novo, apenas uma mescla daquela Hard Rock clássico com toques mais modernos, criando boas composições mas que, invariavelmente, servem apenas para aqueles que já conhecem sua sonoridade. Uma pena, pois ainda que de certa forma genérico, o grupo nos traz músicas bem elaboradas, ótimos refrãos e intensidade.

Derek Davis (vocal e teclados), Ron Freschi (guitarra e backing vocals), John Matthews (guitarra), Craig Pepe (baixo e backing vocals) e Dylan Soto (bateria) - os dois últimos entraram na banda em 2023 - nos trazem 11 faixas que equilibram energia e emoção — transitando desde faixas mais hard rock repletas de adrenalina até instantes mais introspectivos. E isso parece refletir na sequência do álbum, faixa a faixa, pois as composições trazem linhas harmônicas bem variadas e demonstram a versatilidade de Babylon A.D. mesmo décadas depois.

Abrindo com a faixa-título, "When the World Stops", o grupo já nos entrega uma levada totalmente Hard Rock 80's, com boas linhas melódicas e com aquele típico refrão que apesar de repetitivo, não enjoa e gruda facilmente na cabeça. E se estamos falando de refrão com essa característica, na sequência temos a ótima "Come on Let's Roll", onde esse quesito assume ares de maior significado. Com uma pegada simples e eficaz, a música parece perpetuar na mente após a primeira audição. Ótimo momento! Uma quebra de ritmo em "Don't Ask Questions", mais cadenciada e com um ótimo solo, carregado de melodia e intensidade, mostram o que citei anteriormente: a versatilidade dos músicos. Como estamos falando de um álbum típico de Hard Rock, "Love is Cruel" é aquela balada que não pode faltar, pois traz consigo emoção e outro belo solo de guitarra. Aliás a dupla Ron Freschi e John Matthews tem um ótimo entrosamento, dosando feeling na medida certa, quando necessário. o Hard Rock volta à carga em "Toxic Baby" com aqueles vocais "espertos", enquanto baixo e bateria "marcam" a faixa em seu andamento.

"I Don't Believe in You", talvez seja o ponto fraco do trabalho. Cadenciada, um pouco mais pesada (pro som do Babylon A.D.), os vocais acabam saindo um pouco daquilo que se propõem. Não é ruim, mas destoa um pouco do restante. No entanto "Power of Music" é o grande destaque do álbum! Com som parecendo "ao vivo", a faixa empolga do início ao fim, com ótimos riffs, levada e refrão forte e intenso, a música é perfeita pra ser tocada num pub esfumaçado, num teatro ou numa arena. A empolgação será a mesma! Quando termina a gente quer ouvir de novo! A pesada "Torn" vem na sequência, com quebradas de ritmo e bons momentos, assim como "Damage is Done", onde a parte acústica ficou sob a responsabilidade do batera Dylan Soto. Aquele baixo gordo e vigorosa dita o ritmo da malemolente "Oh Suki", que antecede o final que vem com "Sadness Madness", dona de um ótimo riff, indo da power ballad ao hard sem fazer feio.

WHEN TEH WORLD STOPS não muda o mundo. E, tenho certeza que você concorda comigo, ele não tem essa intenção. Mas que com esse trabalho, o BABYLON A.D. nos garante bons momentos de diversão, eu não tenho dúvidas. Se você curte aquele Hard Rock com melodia e sem compromisso, confira sem medo!

Sergiomar Menezes

SUFFOCATION - LIVE IN NORTH AMERICA (2021/2025)

 

SUFFOCATION
LIVE IN NORTH AMERICA
Shinigami Records/Nuclear Blast - Nacional

Se estivermos falando sobre um álbum ao vivo que representa o conceito de "brutalidade sem concessões", dentro do death metal brutal, esse álbum se chama LIVE IN NORTH AMERICA, do SUFFOCATION. Lançado em 2021, pela Nuclear Blast e chegando por aqui pela parceria com a Shinigami Records, o disco captura a banda em sua melhor fase, quando o death metal, apesar de técnico soa como deveria: cru, avassalador e implacável. Gravado em 22 de outubro de 2018, no Middle East Down, em Cambridge, Massachusetts, o trabalho é uma verdadeira explosão de peso e precisão que solidifica o reinado imbatível da banda. Um registro verdadeiro, sem concessões e sem limites.

Formado por Frank Mullen (vocal), Terrance Hobbs (guitarra), Charlie Errigo (guitarra), Derek Boyer (baixo) e pelo monstro Eric Morotti (bateria) o grupo nos entrega um ao vivo, com uma produção simples, honesta, mas autêntica. O som da guitarra é encorpado e denso, o baixo aparece em momentos importantes e a bateria mantém a banda em constante intensidade. O vocal de Frank, profundo e por vez rasgado, dá a impressão de vir das entranhas, intensificando o clima que caracteriza o Suffocation desde os anos 90. Já a capa criada por Jon Zig, reforça a atmosfera sombria e visceral do álbum, refletindo a brutalidade sonora que tornou o quinteto norte americano um dos grupos mais importantes e influentes do gênero.

Apesar de estarmos falando de um álbum ao vivo e de uma certa regularidade, algumas faixas acabam se destacando como “Thrones of Blood”, que abre o CD sem fazer nenhum tipo de concessão, “Liege of Inveracity” e sua fúria incontrolável, além das brutais e agressivas “Infecting the Crypts”, "Effigy of the Forgotten", "Pierced From Within" e "Breeding the Spawn" que acabam  por comprovar e demonstrar o motivo pelo qual a banda se tornou uma referência no brutal death metal: cada mudança de ritmo parece planejada para surpreender o público. O grande diferencial desse ao vivo é a incrível técnica do Suffocation que se mantém intacta no palco, mesmo com toda a intensidade apresentada. Os blasts beats são intensos, e os breakdowns parecem ainda mais impressionantes ao vivo, com o público reagindo como se estivesse lutando em um ringue sem regras.

LIVE IN NORTH AMERICA é um álbum pra quem procura pelo significado das palavras técnica e brutalidade. É um registro de uma banda que carrega o peso, a agressividade a fúria em sua bagagem. Uma representação direta de como o SUFFOCATION soa sem filtros, apenas a intensidade crua de uma das bandas mais influentes da história do death metal. Para aqueles que desejam conhecer o "metal da morte" em sua essência visceral, este álbum é essencial. Até rimou, mas é a mais pura verdade...

Sergiomar Menezes

GOREFEST - FALSE & ERASE (THE ULTIMATE COLLECTION PT. 2) (2025)

 

GOREFEST
FALSE & ERASE
Shinigami Records/Nuclear Blast - Nacional

Se a primeira parte da Ultimate Collection do Gorefest foi um mergulho na podridão primordial do death metal, a Parte II é o som da banda rastejando para fora da tumba e olhando para o horizonte. Este segundo volume, centrado nos álbuns False (1992) e Erase (1994), é um documento fascinante de uma banda em seu auge criativo e, ao mesmo tempo, no epicentro de uma transformação que dividiria sua base de fãs para sempre. É aqui que o Gorefest se tornou o Gorefest que muitos conhecem: mais técnico, mais groovy e perigosamente experimental. Esqueça a crueza absoluta de Mindloss. Esta coleção de dois discos captura um período de evolução meteórica. 

False é a obra-prima, o momento em que a banda aperfeiçoou sua fórmula de death metal. Erase é o ponto de virada, o álbum que plantou as sementes do controverso, mas influente, "death 'n' roll". Juntos, eles contam a história de como a brutalidade pode se tornar mais inteligente e, eventualmente, dar lugar a algo totalmente diferente.Lançado apenas um ano após a estreia, False (1992) é um salto quântico em todos os sentidos. Com a entrada do baterista Ed Warby e do guitarrista Boudewijn Bonebakker, o Gorefest ganhou uma injeção de técnica e musicalidade. O resultado é um dos melhores álbuns de death metal da era de ouro europeia. A produção de Colin Richardson é cristalina para a época, permitindo que cada riff pesado e cada virada de bateria precisa de Warby atinjam com força máxima. O álbum é uma aula de death metal com groove. Músicas como "The Glorious Dead" e "Reality - When You Die" são pesadas e memoráveis, trocando a velocidade vertiginosa por um peso esmagador e uma estrutura mais cadenciada. As letras também evoluíram, abandonando o gore puro por críticas sociais e reflexões sobre a mortalidade. False não é apenas brutal; é inteligente, cativante e uma obra-prima que solidificou o lugar do Gorefest no topo da cena. 

Se False foi a perfeição, Erase (1994) foi a rebelião. Com uma produção ainda mais limpa de Pete Coleman, o álbum chocou os puristas do death metal. Os tempos ficaram mais lentos, os riffs de guitarra começaram a soar mais como Black Sabbath do que como Morbid Angel, e a agressividade deu lugar a um balanço pesado e arrastado. Faixas como "Low" e "Fear" são inegavelmente pesadas, mas a abordagem era radicalmente diferente. Este foi o álbum que cunhou o termo "death 'n' roll". Para alguns, foi uma traição imperdoável. Para outros, uma evolução natural e corajosa. Independentemente do lado em que você esteja, é impossível negar a importância de Erase. Ele mostrou que o death metal poderia ser mais do que apenas velocidade e guturais, abrindo portas para uma nova forma de expressão dentro do metal extremo. Como na primeira parte, o material bônus aqui é ouro puro. O disco de False vem com demos que mostram as músicas em seu estado bruto e faixas ao vivo que capturam a energia da banda no palco. Já o disco de Erase é ainda mais revelador, incluindo uma versão inédita de "Autobahn" e uma incrível versão orquestral de "Goddess in Black", gravada com a Metropole Orchestra. Esses extras são a prova definitiva do espírito aventureiro que tomava conta da banda. 

The Ultimate Collection Part II é talvez o volume mais importante para entender a jornada completa do Gorefest. Ele captura a banda no topo de seu jogo com False e no momento exato em que decidiram arriscar tudo com Erase. É um retrato de artistas se recusando a ficar parados, empurrando os limites de seu próprio gênero. Para os fãs de death metal clássico, False é audição obrigatória. Para os curiosos sobre as origens do death 'n' roll, Erase é o marco zero. Esta coletânea não é apenas uma coleção de álbuns; é o som da evolução em tempo de uma encruzilhada, e o barulho que ecoou dela mudou o metal para sempre.

Jay Frost

GOREFEST - MINDLOSS & DEMOS (THE ULTIMATE COLLECTION PT.1) (2025)

 

GOREFEST
MINDLOSS & DEMOS
Shinigami Records/Nuclear Blast - Nacional

No panteão do metal extremo, há nomes que são sussurrados com reverência, e há aqueles que são rosnados como uma praga. O Gorefest se encaixa confortavelmente na segunda categoria. Para uma geração de fãs, eles são os reis do "death 'n' roll", o som que colocou um groove de rock de bar no coração pútrido do death metal. Mas antes do balanço, antes do polimento, havia apenas... podridão. E é exatamente isso que a nova coletânea The Ultimate Collection Part I: Mindloss & Demos nos oferece: uma cápsula do tempo enferrujada e coberta de sangue, direto de 1991. Lançada em pleno 2025, esta não é uma coleção de hits, mas sim um documento arqueológico. 

O pacote duplo traz o álbum de estreia da banda, Mindloss, totalmente remasterizado, e um segundo disco abarrotado com as demos que deram origem a ele. Para quem conheceu o Gorefest em sua fase mais "acessível" com álbuns como Erase (1994) ou Soul Survivor (1996), esta coletânea é um choque de realidade brutal e uma aula de história indispensável.No final dos anos 80 e início dos 90, a Holanda era um verdadeiro vulcão de death metal. Enquanto bandas como Pestilence e Asphyx desenhavam o mapa do som local, o Gorefest chegava com um facão para rasgá-lo. Mindloss não é um álbum de técnica cirúrgica como os do Death, nem tem a complexidade de seus conterrâneos do Pestilence. A inspiração aqui é mais direta, mais visceral, bebendo da fonte de gigantes americanos como Autopsy e britânicos como Napalm Death. O som é cru, a produção é suja e a atmosfera é de puro horror carnal. As letras fogem do satanismo clichê da época para mergulhar no grotesco da mente e da carne humana. Títulos como "Putrid Stench of Human Remains" e "Confessions of a Serial Killer" não deixam espaço para interpretações. A música acompanha essa visão: riffs simples, mas pesadíssimos; uma seção rítmica que soa como uma marreta; e os vocais guturais de Jan-Chris de Koeijer, que parecem emergir de uma tumba recém-aberta. É um som deliciosamente monotônico e hipnótico em sua brutalidade. 

O verdadeiro deleite para os fãs hardcore está no segundo disco. As demos "Tangled in Gore" e "Horrors in a Retarded Mind" são os projetos originais de onde as faixas de Mindloss foram construídas. Ouvir essas versões é como ver os rascunhos de um pintor famoso. A energia é ainda mais caótica, a produção é praticamente inexistente, e a sensação de perigo é palpável. A demo "Horrors in a Retarded Mind", em particular, é um chute no estômago, uma peça essencial para entender o desenvolvimento da banda. Sejamos claros: The Ultimate Collection Part I não é para os fracos de coração, nem para quem busca o som mais polido e técnico do metal. Esta é uma peça de história. É um mergulho profundo nas fundações de uma das bandas mais importantes do death metal europeu. É o som de quatro jovens holandeses descobrindo o quão pesados e nojentos eles poderiam ser. 

Para os fãs de longa data, é uma chance de ter o material clássico em sua melhor forma, com o bônus das demos raras. Para os novatos que só conhecem a fase death 'n' roll, é uma lição essencial sobre as raízes da banda. E para qualquer fã de death metal old-school, é um lembrete glorioso de uma época em que o gênero era definido pela brutalidade, e não pela perfeição. É feio, é sujo, é maravilhoso. Um pedaço essencial da história do metal extremo.

Jay Frost

KREATOR - KRUSHERS OF THE WORLD (2026)

 

KREATOR
KRUSHERS OF THE WORLD
Shinigami Records/Nuclear Blast - Nacional

"Esmagadores do Mundo". O 16º álbum de estúdio do KREATOR não poderia ostentar outro título. Ainda que não possamos mais ouvir aquela agressividade brutal dos primeiros álbuns, é inegável que a máquina alemã de triturar ossos segue sua jornada. mesmo usando momentos mais "melódicos" em diversas passagens, Mille Petrozza e sua turma sabem como poucos fazer THRASH METAL. A maior banda alemã do estilo prova que ainda tem lenha pra queimar, seja pelo lançamento do livro "Seu Paraíso, Meu Inferno", escrito por Mille em parceria com Torsten Gross, seja pela estreia nos cinemas alemães de "Ódio & Esperança" — filme verdadeiramente dedicado a uma banda de metal extremo que se mantém intacta mesmo com os percalços da carreira, com participações especiais de Scott Ian (Anthrax), Chuck Billy (Testament), Bela B. (Die Ärzte), Phil Demmel (Kerry King, ex-Machine Head) e muitos outros, a verdade é que KRUSHERS OF THE WORLD, que sai por aqui pela parceria Shinigami Records/Nuclear Blast é revigorante, intenso, brutal e, acima de tudo, honesto.

Acompanham Mille (guitarra e vocal), Sami Yli-Sirniö (guitarra), Frédéric Leclercq (baixo) e o parceiro de longa data de Petrozza, o experiente e brutal Jürgen "Ventor" Reil (bateria). Produzido por Jens Brogen (e aqui podemos encontra a razão para muitos dos momentos melódicos do álbum), o trabalho soa pesado, denso e ao mesmo tempo, limpo e cristalino. Não tem como ser diferente, afinal, estamos falando de uma banda que nunca parou no tempo, buscando evolução ao longo de sua trajetória. Já a capa, é obra do artista Zbigniew Bielak, renomado por seu trabalho com o Ghost, e oferece uma releitura interessante da história do KREATOR. Transformando marcos visuais clássicos que fãs dedicados reconhecerão de "Coma Of Souls" (1990), "Out of the Dark... into the Light" (1988) e "Pleasure To Kill", Bielak criou uma arte extraordinária que presta homenagem à banda. A capa de "Krushers Of The World" vale uma observação mais detalhada por parte dos fãs.

"Seven Serpents" abre o álbum com um clima sombrio em seu início, desembocando numa pedrada thrash digna de moshes violentos! Que porrada! Ventor mostra que o tempo parece não passar, tamanha a vitalidade e pegada da bateria! Sami, por sua vez, traz solos que, para muitos, são os responsáveis pelas linhas mais melódicas que o grupo vem adotando de uns tempos pra cá. O refrão é brutal e grandioso ao mesmo tempo. Os vocais característicos de Mille invadem os fones com aquela aura angustiante e desesperadora em alguns momentos. Uma abertura de álbum que deve abrir os próximos shows da banda! "Satanic Anarchy" traz aquele andamento mais cadenciado, cavalgado, que também vem sendo utilizado pelo grupo. No entanto, o refrão aqui pode causar repulsa nos fãs mais radicais, pois traz um pouco de melodia em excesso, lembra as bandas da Suécia que fazem uso dessa linha. Os riffs ríspidos dão início à faixa título, pesada, densa e cadenciada. E tome mais melodias no refrão, que deixam um pouco do impacto inicial para trás. Mas, o peso impera durante a execução da composição. "Tränenpalast", faixa composta por Mille inspirada em filmes de terror, em especial "Suspiria" de Dario Argento, traz os vocais guturais de Britta Grötz (Hiraes). Com destaque para a cozinha composta por Frédéric e Ventor, a faixa carrega a atmosfera propícia aos clássicos filmes de terror old school. Já em "Barbarian" temos a volta do pé no acelerador, com riffs rápidos, vocais típicos e uma pegada thrash anos 80. Obviamente que pegada não quer dizer um resgate, mas uma inspiração, tanto que o refrão nos traz o Kreator de hoje em dia de volta à execução da faixa.

"Blood of Our Blood" é outro petardo "tipicamente kreatoriano", com velocidade, intensidade, peso, vocais rasgados e um refrão de quebra o ritmo, sem que cause prejuízo a intensidade da faixa. Ventor novamente mostra que é um dos bateras mais injustiçados do Thrash, vez que nunca é citado entre os grandes nomes do gênero. Já "Combatants" é um daqueles hinos cadenciados, carregados de peso em cada palhetada, intenso e sem muita invencionice, tratando o metal do jeito que deve ser: cru, direto e enérgico! Mais peso e velocidade é o que temos em "Psychotic Imperator" e "Deathscream", são, digamos assim, "puro suco do thrash alemão". Enquanto a primeira traz um Kreator mais próximo das suas origens, a segunda tem elementos mais modernos e passagens que destacam os passos que o quarteto decidiu seguir de uns tempos pra cá. O encerramento vem com "Loyal to the Grave", um "quase" metal tradicional, incorporando as nuances atuais do Kreator, com uma pequena, mas muito pequena, semelhança com o que o grupo fez em "Endorama" (1999), odiado por muitos, cultuado por este que vos escreve.

KRUSHERS OF THE WORLD é um trabalho que mantém o KREATOR entre as principais bandas THARSH METAL do mundo. Se por um lado, o grupo incorporou de vez as melodias em muitos momentos, por outro, a agressividade e o peso, continuam caminhando lado a lado, mantendo uma sonoridade única. Um álbum que mostra que a relevância dos alemães nos dias de hoje, ainda é, e muito, significativa.

Sergiomar Menezes

MOTORJESUS - STREETS OF FIRE (2025)

 

MOTORJESUS
STREETS OF FIRE
Shinigami Records/Reaper Entertainment - Nacional

“High Octane Heavy Rock”. É assim que o grupo alemão Motorjesus auto denomina o seu estilo de som. E o que temos de sobra aqui neste seu mais recente trabalho é “Alta Octanagem” de rock pesado, Nada original, nada de novo, mas cheio de honestidade e crueza, “Streets Of Fire” é um ótimo trabalho.

As influências são claras ao se ouvir as primeiras faixas: Iron Maiden, Motörhead, AC/DC, Judas Priest, dentre outros. Um Hard Rock pesadíssimo que cheira à gasolina. A temática das letras são carros, estradas, motores e por aí vai. A faixa que abre o trabalho, “Somewhere From Beyond” é ótima, com riffs cortantes é tipicamente Heavy Metal oitentista, lembrando e muito a banda de Rob Halford.

“Streets Of Fire”, faixa que dá título ao álbum, mais cadenciada, tem riff e refrão marcantes e facilmente está entre as melhores faixas do tracklist. Uma referência ao Punk Rock se apresenta com “They Don´t Die”. “Holy Overdrive”, “City Heat”, “2.Evil” e “The Confrontation” mantém o nível altíssimo do trabalho.

“Streets Of Fire” é o sétimo trabalho do Motorjesus, que completa 20 anos agora em 2026, e é o primeiro trabalho da banda lançado aqui no Brasil, pela Shinigami Records. Se você curte Hard Rock “metalizado”, “Streets Of Fire” é altamente recomendado. Mas não é recomendado para ouvir enquanto dirige, pois é bem possível você exceder os limites de velocidade ouvindo as músicas do grupo...

José Henrique Godoy

CASTLE RAT - THE BESTIARY (2025)

 

CASTLE RAT
THE BESTIARY
King Volume Records - Importado

Todo o fã de Heavy Metal já ouviu falar/assistiu/conhece “Heavy Metal”, o filme/animação de 1981 que contém na sua trilha sonora banda como Black Sabbath, Blue Oyster Cult, Cheap Trick entre outros. Caso você seja um desavisado não conhecedor da obra, a animação trata de vários episódios envolvendo magia e fantasia.

Passados mais de quarenta anos, imagine uma trilha sonora perfeita para “Heavy Metal”, porém composta por uma única banda... Pois lhes apresento Castle Rat: uma banda de Nova Iorque, formado por The Rat Queen (guitarra e vocais), The Count (guitarra), The Plague Doctor (baixo) e The All-Seeing Druid (bateria). Pelos nomes dos integrantes já temos ideia de que o Castle Rat é uma banda bastante teatral.

“The Bestiary” é o segundo trabalho do grupo, e a sonoridade aqui é Doom Metal na sua melhor forma. E a temática de suas letras deixaria o grande Ronnie James Dio orgulhoso: magia, feitiçaria, espadas, reinos e reinados... A produção e mixagem é propositalmente “datada”, dando a impressão que você está ouvindo uma banda inglesa do final dos anos 1970. O vocal de Rat Queen lembra um pouco a voz de Stevie Nicks.

O álbum é composto de 13 faixas, algumas são mais rápidas e outras mais lentas, algumas introduções acústicas, mas confesso que me surpreendi ao final da audição, pois pra mim passou muito rápido e acabei colocando para rodar novamente, o que demonstra que “The Bestiary” passa uma excelente experiência para o ouvinte.

Com certeza, o Castle Rat é uma grata surpresa. Uma banda que assume uma postura e uma temática, ao mesmo tempo que não se leva a sério, está ali pela arte e pela sua música. Que a estrada seja longa para a Rat Queen e seus asseclas.

José Henrique Godoy

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BEFORE THE DAWN - COLD FLARE ETERNAL (2025)

 

BEFORE THE DAWN
COLD FLARE ETERNAL
Shinigami Records/Reaper Entertainment - Nacional

Para entender o verdadeiro peso deste lançamento, é preciso olhar para o retrovisor. O Before The Dawn foi constante no cenário europeu entre 1999 e 2012, construindo uma trajetória respeitável com sete álbuns de estúdio que serviram de porta de entrada para muitos ouvintes no mundo do metal extremo. No entanto, em janeiro de 2013, o mentor Tuomas Saukkonen decidiu puxar o freio de mão, encerrando as atividades e mergulhando o nome da banda em um silêncio que duraria oito anos.

Quando o retorno foi finalmente concretizado em 2021, houve aquele misto inevitável de euforia e ceticismo. O álbum de 2023, “Stormbringers”, serviu para provar que a banda existia novamente, mas, soou como um motor de certo ponto enferrujado, que ainda engasgava, tentando lembrar como funcionar após quase uma década desligado. Agora, com "Cold Flare Eternal", a conversa mudou. O sentimento de "teste" ficou para trás. O que ouvimos aqui não é mais uma banda tentando se justificar, mas caras que finalmente entenderam quem são nesta nova encarnação.

A grande vitória deste disco é a naturalidade. Se antes o vocalista Paavo Laapotti parecia um convidado tentando calçar sapatos que não eram seus, agora ele é o dono da casa. Uma performance que flui de forma orgânica. Seus vocais limpos trazem aquela melancolia gótica finlandesa (com ecos de Sentenced) sem soarem frágeis, enquanto seus guturais atingem uma profundidade cavernosa. Musicalmente, o álbum é uma aula de como criar atmosfera sem sacrificar a agressividade. A introdução "Initium" funciona como aquele vento gelado sobrando antes da tempestade, preparando o terreno para "Fatal Design". E que abertura! É Melodic Death Metal direto ao ponto, sem “frescuras”, mostrando que a banda manteve sua habilidade de escrever músicas curtas e impactantes (na casa dos 3 a 4 minutos) que são verdadeiros ganchos sonoros.

O disco brilha justamente quando decide não ficar parado no mesmo lugar. Temos momentos como "Stronghold", que é pura brutalidade desenfreada — bumbos duplos castigando e zero vocais limpos, feita sob medida para abrir rodas do mosh nos shows. Em contrapartida, "Stellar Effect" e "As Above, So Below" abraçam o lado mais acessível e melódico. "Mercury Blood", é pura versatilidade, apostando em um peso quase claustrofóbico, com um groove arrastado que te puxa para baixo, criando uma atmosfera única. E, claro, a presença de Tuomas Saukkonen na bateria e Juho Räihä nas guitarras garante que, mesmo nos momentos mais "épicos" ou inspirados no Folk (como em "Flame Eternal"), a execução seja impecável e cirúrgica.

O encerramento com "Ad Infinitum" é a cereja no bolo. Em vez de um final explosivo e esperado, a banda opta por uma despedida elegante, quase instrumental, guiada por melodias brilhantes de guitarra. É como ver a tempestade deixando apenas a paisagem de inverno. “Cold Flare Eternal” não reinventa a roda do death metal melódico, e nem precisa. Sua força reside na honestidade e na coesão. É um álbum frio na atmosfera, mas que queima graças a genialidade e brutalidade.

William Ribas

THE MIST - THE DARK SIDE OF THE SOUL (2025)

 

THE MIST
THE DARK SIDE OF THE SOUL
Alma Mater Records/Almost Famous REC - Nacional

Trinta anos. Desde o lançamento de "Gottverlassen" em 1995, o mundo girou em um ciclo de mediocridade, líderes ascenderam e caíram, e a humanidade marchou anestesiada rumo ao abismo. Em Belo Horizonte, o The Mist não retorna de mansinho. Eles arrombam a porta com "The Dark Side of the Soul (An Anatomy of the Soul)".

O álbum está muito longe de ser um exercício de nostalgia. Isso é um acerto de contas. Vladimir Korg, voz histórica de "Phantasmagoria" (1989) e "The Hangman Tree" (1991), reassume o comando com algo a provar: Não estão aqui para soar como veteranos buscando fôlego, mas como predadores famintos, recém-soltos de uma jaula enferrujada.

Conceitualmente, "The Dark Side of the Soul" é uma obra distópica, claustrofóbica e profundamente incômoda. A banda conduz o ouvinte por uma verdadeira autópsia da condição humana, estruturada em diálogos brutais entre alma, corpo, cérebro e órgãos em colapso. É uma narrativa que rejeita qualquer conforto e cospe na cara de quem vive um "conto de fadas". A realidade crua é a chama matriz da obra: a vaidade, a futilidade, o ódio, o medo e a falência ética dos nossos tempos.

Da abertura devastadora com “The Curse of Life”, que esfrega o mantra “todo mundo morre” como uma sentença inevitável, até o encerramento agonizante de “Death – Return to Sender”, o álbum funciona como a trilha sonora de uma vingança lenta, sangrenta e implacável.

Não há redenção. Há consciência — e dor.

Musicalmente, o disco é um monstro indomável. A sonoridade se conecta visceralmente com as letras, criando uma trilha furiosa, violenta e pronta para sangrar ouvidos sensíveis.

Faixas como “(Liver) – Killing My Imaginary Friends” e “(Face) – Name + Number = Namber” deixam claro que o The Mist não voltou para brincar. A banda expandiu sua arquitetura sonora criando um Thrash Metal em potência máxima, com uma brutalidade moderna e densa.

No instrumental, temos riffs cortantes (Edu Megale) e um baixo cheio de groove com presença absurda (Wesley Ribeiro), alicerçando uma bateria (Lina Linassi) que atua como máquina de guerra.

Alinhado a tudo isso, temos urros desesperados, autoritários e sarcásticos. Gritos que oscilam entre a acusação e o pedido de socorro — humanos demais para serem ignorados.

The Dark Side of the Soul é visceral, doloroso e necessário. Ele mescla passagens sombrias com a realidade atual do ser humano, dissecando o diálogo brutal entre uma alma atormentada e um corpo em colapso biológico e moral. É um verdadeiro "quebra-pescoços". Um lembrete de que a morte pode ser a única certeza e que ela respira dentro de nós. Mas, acima de tudo, é a prova de que o The Mist está mais vivo, mais coeso e mais letal do que nunca. O álbum é uma declaração de guerra forjada por predadores que passaram décadas observando na escuridão e agora atacam com sangue nos dentes.

William Ribas

Foto: Alexandre Biciati

STORMSORROW - THE BLOOD RED HORIZON (2025)

 

STORMSORROW
THE BLOOD RED HORIZON
Independente - Nacional

O primeiro álbum lançado por uma banda sempre é um desafio. Seja pelas dificuldades financeiras (ainda mais falando de Brasil), seja pelas dificuldades impostas pelo mercado, ou ainda, pela constante mudanças na formação dos grupos. E quando falamos de Heavy metal, sabemos que isso se torna ainda mais complicado. No entanto, muitas vezes, algumas bandas conseguem atingir um nível de excelência em sua estreia que chegamos a nos perguntar: "como assim, esse é o debut???" E esse é o caso da banda STORMSORROW. THE BLOOD RED HORIZON impressiona em todos os aspectos: qualidade das composições, produção, apresentação e muita, mas muita garra empregada ao trabalho. Lançado de forma independente, o item se torna obrigatório pra todo fã de Heavy Metal, pois ainda que o Thrash, o Death (desde o mais brutal ao melódico), o metal tradicional e até mesmo o metal mais atual se façam presentes, não há melhor definição para a sonoridade do grupo que não seja o nosso bom, velho e querido Heavy Metal.

Formada por Kahlil Sena (vocalista, guitarrista e idealizador do projeto iniciado 2005, que felizmente virou uma banda sólida e competente), Vicente Luiz (guitarrista e produtor do álbum), Yuri Passos (baixista, ex- Mindset) e Arthur Albuquerque (bateria), a banda foi criada por Khalil em 2005 no Piauí e tomou maior intensidade quando o próprio se mudou para Goiânia. Kahlil, tanbém assina todas as composições, letras, gravações de guitarras base e vocais, além de dividir a coprodução do material, que faz parte de uma trilogia idealizada por ele. O álbum ainda conta com participações especiais de grandes nomes do cenário nacional: Lord Vlad (Malefactor), Mário Pastore (Pastore, ex-Acid Storm), Victhor De Victhorian (Victhorian) e Alexandre Grunheidt (Ancesttral), que acrescentam ainda mais brilho ao trabalho. Apresentando influências vão desde Dark Tranquility, Kreator, Kataklysm, Nevermore, Iced Earth, Arch Enemy, mas com uma personalidade totalmente independente, The Blood Red Horizon nos mostra maturidade, técnica e muito peso!

Uma pequena iro, densa e climática antecede "Burning Skies", um petardo que logo de cara, mostra que a banda não está para brincadeira. Guitarras m linhas agressivas, navegando com facilidade pelo thrash e pelo death, vocais guturais e densos, e uma cozinha que além de peso, entrega muita técnica e versatilidade. Aliás, versatilidade é um dos pontos fortes da banda, pois essas variações dentro dos mais diversos estilos, criam camadas sonoras que fogem do lugar comum. Os riffs intensos são a tônica do trabalho, ainda que a essência da banda não se resuma apenas a isso. Já a faixa título "The Blood Red Horizon" traz a participação de Alexandre Grunheidt (Ancesttral) o que por si só já é garantia de que teremos um thrash de responsa. Dito e feito. Sem dúvida, uma das faixas com mais influência do estilo, traz o contraste de vozes de Alê e Kahlil, criando um clima death/thrash intenso. Ainda "contaminado" pela veia thrash da faixa anterior, "Face the Obliteration", na opinião deste que vos escreve, é a melhor música álbum! Enérgica, rápida, intensa e agressiva, a faixa carrega toda a fúria do metal pesado, com mudanças de andamentos, ambientações atmosféricas em algumas passagens, o que mostra que o grupo não peca por estagnar-se. Muito pelo contrário, pois cada faixa traz uma gama de criatividade bem consistente. O que fica mais evidente em "Hellgate Assembly", que traz a participação de Lord Vlad (Malefactor). E aqui surge uma surpresa: a incursão de elementos do black metal em alguns momentos, além dos vocais de Lord Vlad que trazem aquela aura de desespero tão cara ao estilo. 

Riffs de metal tradicional, mais próximos do alemão (Grave Digger à frente) iniciam "Rebellion Burns Within", que recebe na sequencia uma dose extra de brutalidade e peso, muito disso por "culpa" da dupla Yuri e Arthur, baixo e bateria respectivamente. Aliás, esse último executa um trabalho primoroso do início ao fim do álbum. Carregada de angústia e desespero, mais ainda assim dona de uma linha melódica bem interessante, "Darkest December" traz a participação de Victhor De Victhorian (Denis Lima), da banda Victhorian — amigo de infância e ex-parceiro de Kahlil Souto, o que entrga à faixa uma dose maior de emoção e envolvimento. Com uma voz mais rasgada, Victhor cria uma atmosfera contrastante no refrão. No entanto, " Scars of my War" (baita título) é uma pedrada com toques mais "modernos", voltados à sonoridade de bandas como In Flames, Dark Tranquility e Nevermore, principalmente nos riffs. Outro ponto a se destacar no trabalho é o esmero da produção que apesar de deixar tudo claro e cristalino, deixou as guitarras num nível de peso absurdo! Já a participação de um dos maiores vocalistas brasileiros, Mario Pastore (Pastore, ex-Acid Storm) dá um brilho extra à faixa. ão é novidade pra ninguém a versatilidade de Pastore, mas aqui ele atinge níveis excelentes ao transitar entre o melódico e o mais rasgado, numa proposta que viaja entre as águas do Soilwork e do metal tradicional. Um clima introspectivo dá início à "Times of Decay", que apesar do peso brutal, traz muito dal tradicional em sua estrutura. O álbum se encerra com "The Storm Will Remember My Name", que traz novamente a participação de Lord Vlad. Um épico agressivo e intenso como a música do StormSorrow. 

Já escrevi demais. Faça um favor a si mesmo e ouça THE BLOOD RED HORIZON. Ou melhor, compre. Tenho certeza que você não se arrependerá. A STORMSORROW e o metal nacional agradecem.

Sergiomar Menezes

Foto: Emerson Souza

DEATHGEIST - UNDERWORLD (2026)

 

DEATHGEIST
UNDERWORLD
Punishment 18/Thrash Or Death Records/ Mutilation Records - Nacional

Enquanto o Thrash Metal é frequentemente acusado de estagnar em temas bélicos e violência gratuita, o Deathgeist estilhaça esse estigma com "Underworld". O álbum prova que o estilo pode ser um veículo sofisticado para o horror cósmico, a crítica social ácida e o drama existencial. Com uma química inegável — Adriano Perfetto (Voz e Guitarra), Victor Regep (Guitarra), Mauricio Bertoni (Baixo) e Fernando Oster (Bateria) — o quarteto entrega sua obra mais ambiciosa. Não se trata apenas de uma coleção de riffs velozes, mas de uma antologia de contos macabros onde o verdadeiro terror reside nas profundezas da doentia mente humana.

Dizem que a estrada e o estúdio forjam o caráter de uma banda. A prova está aqui. A abertura com a faixa-título, "Underworld", já estabelece que o Deathgeist não é refém de clichês ou preso em seu próprio passado. A banda transcende o thrash sorrateiro para entregar uma sonoridade abrangente, uma verdadeira aula de metal germânico. É a fusão titânica de dois mundos: imagine o peso melódico de lendas como Accept e Grave Digger colidindo com a agressividade cirúrgica de Kreator e Sodom. Este é o ataque do quarto álbum dos paulistas.

Adriano não apenas canta; ele encarna o caos. Sua interpretação injeta dramaticidade em cada verso: ora com linhas rasgadas, ora com sussurros lúgubres e momentos de voz limpa, transformando cada música em um ato teatral e hipnótico. Essa versatilidade brilha no contraste entre “Mind Games” e “Destination Dust”. Enquanto a primeira seduz com uma introdução melódica carregada de feeling oitentista, a segunda escolhe a violência pura: riffs nascidos para quebrar pescoços. “Destination Dust” é um convite irrecusável ao moshpit, uma tempestade sonora feita para arrancar cabeças.

Já "The Kraken’s Wrath" se consolida como um hino Heavy Metal. É aquela faixa desenhada para bater cabeça e erguer os punhos; seu refrão de assimilação instantânea promete incendiar os shows. A "falsa calmaria" de seu encerramento, com dedilhados e linhas de baixo marcantes, prepara o terreno para "U.F.O Inc". Aqui, em meio a um instrumental denso e carregado, a banda ataca a era da desinformação, expondo as farsas que pairam nos céus.

O álbum também reserva espaço para a melancolia sombria. "Last Memories" revela a face mais emotiva do disco, abordando a tragédia devastadora do esquecimento — onde a vida se torna um filme sem desfecho e o "eu" se perde em um labirinto interior. Em contrapartida, a banda retoma a fúria com "When Darkness Falls", evocando a escola de Tom Angelripper, e fecha a trinca final com a visceralidade crua de "Into the Darkwood" e "Skinwalkers".

"Underworld" é, sem dúvida, um marco de maturidade para o Deathgeist. A banda alcançou o equilíbrio perfeito entre a agressividade necessária ao gênero e narrativas visualmente ricas. É um disco para bater cabeça, sim, mas também para encarar os monstros que vivem debaixo da cama — e, pior, aqueles que habitam dentro de nós.

O ano começa destruidor com o Deathgeist.

William Ribas